Rezension: „Blue Note and Tonality“ von Motohiko Hamase

ブルーノートと調性 インプロヴィゼーションと作曲のための基礎理論(CD付)

ゼンオン(ZENON)

濱瀬 元彦 (Autor)

(Erstveröffentlichung am 9. April 2002)

Dies ist ein seltenes Buch, das man als „kompromissloses und cooles Musiktheoriebuch“ bezeichnen könnte. Es handelt sich um ein ungewöhnliches Theoriebuch mit einem Layout, das an ein naturwissenschaftlich-technisches Lehrbuch erinnert, und sein Inhalt ist wirklich substanziell, indem es Tonleitern akribisch untersucht, um zu einer einzigen Schlussfolgerung zu gelangen.

Ein Hauptmerkmal ist, dass eine Performance-CD beiliegt, die die praktische Anwendung seiner theoretischen Ergebnisse demonstriert. Die Art von musikalischer Welt, die dieses Buch vorschlägt, wird durch die Musik, die der Autor, ein Bassist, selbst spielt, konkret vermittelt.

Phrasen, die mit der Blue-Note-Tonleiter gespielt werden, bilden die Achse, und von dort aus bewegen sich die improvisierten Bassphrasen des Autors frei in einem Klangraum, der durch abgeleitete Tonleitern und ihre charakteristischen Akkorde gebildet wird. Während die Kernphrasen, die auf der Blue-Note-Tonleiter basieren, durchweg gleich bleiben, ändern sich die auf jeden Track angewendeten Tonleitern und Akkorde, und im Laufe der Darbietung nimmt sie Aspekte der Polytonalität gegenüber der ursprünglichen Blue-Note-Tonleiter an.

Ein gewisses Verständnis des Berklee-Systems (sogenannte Jazztheorie) ist für den Inhalt unerlässlich, daher ist es Anfängern nicht zu empfehlen, es direkt zur Hand zu nehmen. Umgekehrt ist es für diejenigen, die diese Konzepte gemeistert und praktiziert haben, wahrscheinlich sehr interessant, und sie können eine Erweiterung ihres eigenen Klangempfindens erfahren. Es erfordert jedoch Geduld, es gründlich zu lesen.

Unten folgt ein Zitat aus dem Text, das die musikalischen Ansichten des Autors zum Ausdruck bringt.

„Die schwierigste Aufgabe in der Musik ist die Arbeit von der Etablierung der Grundlagentheorie bis zur Konstruktion eines Systems zur tatsächlichen Schaffung von Musik. Extrem ausgedrückt kann man sagen, dass das Niveau der Musikalität eines Musikers eine Frage der Über- oder Unterlegenheit seines musikalischen Systems ist. (gekürzt) Die Menschen sollten dieses System als die Gesamtheit ihrer musikalischen Erfahrung und ihres Wissens wahrnehmen.

Und das Wichtigste ist, die Grundlage, auf der einzelne Systeme stehen, gründlich zu untersuchen und so weit wie möglich einen Standpunkt zu gewinnen, der über bestehende Prämissen hinausgeht. Dies ist der einzige Weg, um musikalisch weit zu kommen.

Ich schreibe dies, weil ich nicht missverstanden werden möchte, aber ich behaupte nicht, dass das System selbst Musik ist. Es ist eine Tragödie, wenn ein System nicht als Materialisierung der Klangbilder konstruiert wird, die ein Musiker hegt. Das Elend der Musik ohne eine Überschneidung von Methode und dem Gefühl des Autors ist diese Tragödie. Man darf keine Sophisterei wie Musik als Dekonstruktion des Ichs des Autors verwenden. Musik und Nihilismus können nicht koexistieren.

Daher wird die realistischere Schwierigkeit in der Musik zu einer Frage des Vorhandenseins oder Fehlens der Intensität des Wunsches, ein System in Richtung der eigenen Klangbilder aufzubauen. Damit musikalischer Ausdruck ein bestimmtes Niveau erreicht, muss es eine geschmeidige Vereinigung eines ausgezeichneten Systems (Struktur) und des Gefühls des Autors (Komponist, Interpret) geben. Es gibt keinen anderen Auslöser, dies zu erreichen, als die Existenz des Wunsches eines Musikers, dass er anders nicht zufrieden sein kann. Und was wir in der Musik hören, ist die Form des Kampfes eines Musikers zwischen diesem schicksalhaften Wunsch und seiner Begabung.“

◇

Ich diskutiere den Inhalt dieses Buches auch in einem Essay, aber es gibt noch einen weiteren interessanten Punkt zum Verständnis seines Inhalts. Es ist das Konzept der „Affinität“, das vom französischen Musikwissenschaftler Edmond Costère vorgeschlagen wurde.

Costères Buch „Wandlungen der Harmonie“ (Original: „Les affinités électives et la métamorphose de l’harmonie“) handelt von Affinität, und „Blue Note and Tonality“ behandelt ebenfalls Affinität, was es zu einem wichtigen Schlüsselwort im Buch macht. Der Fluss der Analyse einer einfachen Dur-Tonleiter auf der Grundlage von Affinität, der Ableitung des Schwerpunkts der Tonleiter daraus und der Fortführung der Diskussion auf der Grundlage der dorischen Tonleiter ist etwas, das ich sehr empfehle, durch dieses Buch zu erfahren.

Dieses Konzept der „Affinität“ ist äußerst nützlich, um harmonische Progressionen in Musik mit schwacher Tonalität zu erfassen. Es ist einfach, kann zum Vergleich numerisch ausgedrückt werden und ist wirklich wie ein „Messstab“.

ブルーノートと調性 インプロヴィゼーションと作曲のための基礎理論(CD付)

ゼンオン(ZENON)

￥6,380(2025/06/01 20:04Zeitpunkt)

濱瀬 元彦 (Autor)

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Inhaltsverzeichnis von „Blue Note and Tonality“

Über den Autor

濱瀬元彦 (Hamase Motohiko)

Geboren 1952. Seit 1976 ist er als Akustik- und E-Bassist in Jazzgruppen von Persönlichkeiten wie Hidefumi Toki, Isao Suzuki, Mikio Masuda, Kazumasa Akiyama, Yasuaki Shimizu und George Otsuka aktiv. Er hat an zahlreichen Aufnahmen mitgewirkt. Als Interpret etablierte er einen neuen Stil für den Fretless-Bass. 1982 gründete er die experimentelle Musikeinheit „RAGERU“ und erforschte bis 1985 neue musikalische Formate. Danach begann er seine Solokarriere und hat fünf Soloalben veröffentlicht.

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