Die 12-Ton-gleichstufige Stimmung auf Basis einer theoretischen Grundlage abstrakt zu organisieren und einen einzigartigen musikalischen Raum zu schaffen – dies kann für einen bestimmten Typ von Komponisten eine überaus faszinierende Herausforderung sein. Das Titelstück „City of Gravity“ (deutscher Titel „Stadt der Schwerkraft“) wurde 1999 komponiert, inspiriert durch das Buch „Blue Notes und Tonalität“ des Bassisten und Theoretikers Motohiko Hamase. Während ich die detaillierte theoretische Erklärung dem Buch überlasse, verwendet dieses Stück die der Blue-Note-Skala innewohnende Polytonalität, was eine unverwechselbare Tonalität erzeugt.
In einem gemächlichen Tempo spielen mehrere Synthesizer-Leads mit unterschiedlichen Charakteren Melodielinien entlang der Blue-Note-Skala. Darauf antworten Harmonien, als ob sie die tonale Distanz messen wollten. Und als ob man verhindern wollte, dass diese Polytonalität auseinanderfällt, spielt der Basspart konsequent eine durchgehende Skala.
Manchmal, getragen von einem treibenden Rhythmus, scheint das Stück in einen Teil mit relativ klarer Tonalität überzugehen, nur um dann wieder in die Welt der Polytonalität zurückgezogen zu werden. Nachdem sich dies einige Male wiederholt hat, verstummt der Rhythmuspart wie eine zurückweichende Flut, und ein Arpeggio mit dem Klang eines übermäßigen Dur-Septakkords beginnt zu spielen. Darin setzt ein Synthesizer-Solo ein, das auf einer einfachen Blue-Note-Skala basiert.
Sowohl die bitteren, herben Klänge als auch die klaren, transparenten Klänge, die in diesem Stück erscheinen, haben denselben Ursprung, der in der Blue-Note-Skala verwurzelt ist. Sie sind das Ergebnis einer tonalen Kontrolle, die sich der Polytonalität bewusst ist.
Die Tonalität besitzt eine Kraft, die man als „tonale Anziehungskraft“ bezeichnen könnte. Sie kann im Klangraum ein festes Fundament bilden oder umgekehrt ein Gefühl der Schwerelosigkeit, einer „Unsicherheit des Standes“, erzeugen, wenn diese Anziehungskraft verdünnt oder aufgehoben wird. In diesem Sinne ist „City of Gravity“ ein Werk, das einen eine wundersame Klangwelt erleben lässt, die einen die Existenz der tonalen Anziehungskraft (Schwerkraft) bewusst macht, ganz wie der Titel andeutet.
Das folgende Stück, „Jungle Tester“ (komponiert im Jahr 2000), ist im Gegensatz dazu ein einfaches Werk. Ein Synthesizer-Lead treibt die Musik voran, über dem sofort erkennbaren Rhythmus des berühmten Amen-Breaks. Nach einem Abschnitt mit geringer harmonischer Veränderung, der ein Gefühl der Stagnation erzeugt, zeigt das Stück um die Ein-Minuten-Marke herum ein anderes Gesicht, kehrt aber schnell zur ursprünglichen stagnierenden Atmosphäre zurück.
Während ein zurückhaltendes Synthesizer-Lead-Solo spielt, erscheint kurz vor der Zwei-Minuten-Marke, als ein Hauch von Stagnation und Langeweile aufkommen könnte, plötzlich ein sich windender, schneller Akkordwechsel. Gerade als man sich fragt, was passiert, geht das Lied in eine Coda über und endet. Wie der Titel „Jungle Tester“ andeutet, könnte dies bedeuten, dass der Hörer von den experimentellen Absichten des Komponisten auf die Probe gestellt wurde.
Übrigens, wenn man genau hinhört, besteht dieser letzte schnelle Akkordwechsel aus einer sorgfältig konstruierten Abfolge von Klängen, was genau der Grund ist, warum er ein einzigartiges musikalisches „Winden“ erzeugt. Darin kann man auch einen Einblick in die Hingabe des Komponisten an die Harmonie spüren.
Das letzte Stück, „Standing Still at Dusk“ (deutscher Titel „In der Abenddämmerung verharren“), ist ein Werk, das man als eine „Kurzgeschichte im Taschenformat“ bezeichnen könnte, in der die musikalische Entwicklung kompakt enthalten ist. Es wurde 2007 komponiert. Innerhalb der nur etwa 40-sekündigen Dauer des Stücks werden Elemente wie die Registerübergänge jeder Stimme, die Dichte und Lockerheit der Noten und der Fluss der Harmonie kontinuierlich wellenförmig manipuliert, was zeigt, dass das gesamte Stück sorgfältig aufgebaut ist.
In den ersten 15 Sekunden führt ein Kaskaden-Stil (bei dem Instrumentalstimmen nach und nach zeitversetzt hinzugefügt werden) Rhythmus, Synth-Pad, Klavier und Trompete nacheinander ein, wodurch die zu fokussierenden Elemente auf natürliche Weise präsentiert und der Hörer zu aufmerksamem Zuhören angeregt wird.
Von dort aus steigt die Harmonie des Synth-Pads im Register an und erzeugt ein leicht beunruhigendes Gefühl, während sie auf einen bestimmten harmonischen Klang zusteuert. Darüber spielt die Trompete eine zögerliche, murmelnde Phrase und unternimmt einen kurzen Weg, um Teil der endgültigen Harmonie zu werden. Auch das Klavier erhöht allmählich die Anzahl seiner Noten und passt sich schließlich mit einer chromatisch absteigenden Phrase dem Abklingen der Trompeten-Performance an, um ebenfalls einen Platz in der finalen Harmonie zu finden.
Und das Synth-Pad, das ganz am Ende des Stücks erklingt, hinterlässt einen einzigartigen Nachgeschmack – eine mehrdeutige und offene Helligkeit, die sowohl ein Gefühl des Abschlusses als auch die Ahnung eines neuen Anfangs suggeriert. Was mit einer düsteren, leicht beunruhigenden Harmonie begann, hat, ehe man sich versieht, diesen Klang erreicht und deutet in der Vorstellungswelt sogar weitere Klangwelten an.
So hinterlässt diese kleine, kurze Geschichte von etwa 40 Sekunden eine zarte, nachklingende Resonanz im Hörer.
