Ein durchweg improvisierter Shamisen-Part und ein Rhythmus-Part, der unregelmäßig Stagnation und Veränderung wiederholt. Während sie sich überlappen und erklingen, erweckt dieses Stück, „Garden of the Echigo Lion“, sowohl einen ausgeprägt japanischen als auch irgendwie staatenlosen Eindruck.
Der Komponist äußert sich wie folgt:
„Mit diesem Stück habe ich durch die Variationen der Shamisen und deren Verflechtung mit dem Rhythmus-Part meine eigene Zeitstruktur erkundet. Ich habe mir vorgenommen, mich meiner eigenen Zeitwahrnehmung zu stellen und mich nicht von bestehenden formalen Rahmen wie ‚Intro-A-Teil…‘ oder ‚dreiteiliger Form‘ einschränken zu lassen.“
Schon beim ersten Anhören dieses Stücks wird deutlich, dass einer der gewählten Ansätze zur Auseinandersetzung mit dem eigenen Zeitgefühl darin bestand, „das Auftreten klarer Melodien zu vermeiden“. Während Instrumente wie Shamisen und Flöte die Erwartung wecken, dass sie Melodien spielen könnten, setzt sich im gesamten Stück, mit Ausnahme einiger Shamisen-Abschnitte, die Improvisation unaufhörlich fort. Des Weiteren wiederholt der Rhythmus-Part, bestehend aus Schlaginstrumenten und Bass, in vielen Passagen spezifische Muster, wodurch bewusst eine Situation mit wenig Variation geschaffen wird. Auch nach Beginn des Stücks gibt es für beträchtliche Zeit keine harmonische Veränderung; die Zeit verstreicht, während sie im Klang eines einzigen Akkords verbleibt. Und in diesem Zustand gibt es keine klaren Melodien und keine Veränderungen im Rhythmusmuster. Als Ergebnis dieses Ansatzes wird der Zuhörer dazu angeleitet, sich nicht auf bestimmte Melodien oder Rhythmusmuster zu konzentrieren, sondern vielmehr auf die „Veränderungen und Übergänge in der gesamten Stimmung“.
Die erste Veränderung tritt nach 40 Sekunden ein. Der vorherige Rhythmus-Part verstummt und wird durch einen schwebenden Rhythmus ersetzt, der hauptsächlich aus Effektgeräuschen besteht und die Szene dominiert. Die dort weiter gespielte Shamisen fühlt sich etwas unsicher an, als wäre sie zurückgelassen worden, doch nach einer Weile tritt ein Gesangspart hinzu, als käme er der Shamisen zur Hilfe. Das grundlegende Rhythmusmuster und der kontrastierende Rhythmus-Part auf Basis von Effektgeräuschen – diese bilden den Hintergrund der musikalischen Zeit, indem sie manchmal die Szenen wechseln und manchmal durch Überlagerung eine Gradation bilden. Vor diesem Hintergrund erklingt der improvisierte Klang der Shamisen.
Etwa in der Mitte des Stücks, nach 4 Minuten und 40 Sekunden, verschiebt sich die Atmosphäre sanft, und Shamisen und Stimme beginnen leise, eine Melodie zu spielen. Sie begleiten sich gegenseitig, nicht so sehr kontrapunktisch, sondern eher „mit Abstand, nicht zu nah, nicht zu fern“, und lassen die Melodie erklingen. Dies dauert jedoch nur einen Moment, bevor sie wie wachgerüttelt zurückkehren und in den improvisierten und rhythmischen Fluss eintauchen, der dem Ende des Stücks entgegengeht. Und am allerletzten Ende stoppt alles abrupt, der Raum wird von einem sanften Synth-Klang erfüllt, und gerade als ein Blick auf einen harmonischen Klang mit einer völlig anderen Atmosphäre als zuvor wahrgenommen wird, endet das Stück wie abrupt abgebrochen.
Von diesem Stück, das auf den ersten Blick schwer fassbar erscheinen mag, kann gesagt werden, dass es durch die Konzentration auf die Veränderungen und Übergänge in der gesamten Stimmung eine einzigartige Erfahrung musikalischer Zeit bietet.
Zu diesem Punkt bemerkt der Komponist treffend Folgendes:
„Was ich während des Komponierens im Sinn hatte, war die Kluft (das Gefühl der Diskontinuität) zwischen dem Gefühl der Stasis (des Verweilens) wie dem ‚Gefühl, dass der Mond einem folgt‘, wenn man beim Gehen zum Mond aufschaut, und der ‚Veränderung der Landschaft, wenn man hinunterschaut und seine Umgebung betrachtet‘.“
Wenn diese Absicht im Werk widergespiegelt wird, könnte das Anhören dieses Stücks vielleicht Überraschung hervorrufen, ähnlich dem plötzlichen Realisieren, dass man in Begleitung von etwas einen langen Weg zurückgelegt hat, zusammen mit einer gewissen Verwirrung, die Angst oder Beklommenheit ähnelt.
Der „Echigo Lion“ im Titel bezieht sich auf eine lokale Darbietung aus Niigata, einen Knaben-Löwentanz. Während der Edo-Zeit verdienten Kinder, die ihre Familien durch Hungersnöte verloren hatten, ihren Lebensunterhalt, indem sie in dieser Straßenaufführung des Löwentanzes ausgebildet wurden.
Das Wissen, dass solche Worte dem Titel beigefügt sind, vertieft die Bedeutung, die aus dem Bild des Mondanblickers und der Tatsache des „Realisiert-Habens, weit gekommen zu sein“ wahrgenommen wird.
Somit kann man, indem man die Bedeutung des Titels als Hilfslinie neben dem, was die Musik direkt vermittelt, verwendet, die einzigartige Zeiterfahrung dieses Stücks vielleicht noch tiefer schätzen.
