(Erstveröffentlichung am 26. Juni 2000)
Obwohl der Titel keineswegs auf ein Musikbuch schließen lässt, umfasst dieses Werk von Kunihiko Yamashita seine bisherigen Schriften und ist voller Reflexionen und Erkenntnisse, was es zu einer sehr lohnenden Lektüre macht. Wenn man es unbedingt einordnen müsste, wäre dieses Buch kein musiktheoretisches Werk oder eine Kompositionslehre (obwohl es einer solchen Lektüre sicherlich standhält), sondern eher „Musikkritik“.
Genauer gesagt könnte man es als Aufzeichnung (eine Dokumentation) der Bemühungen des Autors bezeichnen, sein „eigenes musikalisches Empfinden“ durch die Kritik an Künstlern wie „Keith Jarrett“, „The Beatles“, „Ryuichi Sakamoto“, „Chick Corea“, „Mr. Children“ und „Tetsuya Komuro“, mit denen er sich hauptsächlich auseinandergesetzt hat, zu erfassen, zu verstehen und ihm Bedeutung zu verleihen. Daher versteht es sich von selbst, dass es nicht ausreicht, nur dem Text zu folgen und die Logik zu verstehen.
Für diejenigen, die mit einer auch nur ansatzweise reflektierenden Haltung komponieren, kann dieses Buch ein Vorschlag sein, die Werte ihres „eigenen Empfindens“ sichtbar zu machen. Man wird vielleicht denken: „Aha, es gibt also diese Sichtweise auf einen ‚bestimmten Klang, der sich irgendwie gut anfühlt, ohne dass ich genau weiß, warum‘.“
Darüber hinaus werden hier Dinge beschrieben, die zwar jeder praktiziert, die aber in kaum einem Buch zu finden waren (zum Beispiel das Gerüst von Quartenintervallen in einer Melodie und das Verhältnis von Distanz und Unterschied zur begleitenden Harmonie (im weiteren Sinne); vereinfacht gesagt, die Bedeutung der Beziehung zwischen pentatonischen Melodien und Harmonie). Dies vermittelt auch ein Gefühl der Erleichterung, als ob einem eine Last von der Brust genommen würde.
Wer schon einmal die Musik anderer analysiert hat, wird verstehen, dass man bei Analysen auf der Grundlage der üblichen Tonalität auf Unklarheiten stoßen kann, etwa ob man eine bestimmte nicht-diatonische Harmonie als Leihakkord oder als vorübergehende Modulation betrachten soll. Dies sind oft Dinge, die man ohne Nachfrage beim Komponisten nicht wüsste, und selbst der Komponist ist sich dessen vielleicht nicht immer bewusst. Was aber, wenn der Grund einfach war: „weil es sich gut anfühlte“?
Oder haben Sie vielleicht auch schon einmal, wenn „ein in der Melodie erscheinender Ton ein sogenannter ‚Avoid Note‘ war“, zwischen dem „guten Gefühl“ beim Hören und der Theorie der Avoid Notes eine „analytische Unzufriedenheit“ verspürt? Ehrlich gesagt glaube ich, dass man dem „guten“ Gefühl stillschweigend vertrauen muss, aber leider gibt sich der „Wunsch zu verstehen und Bedeutung zu finden“ damit nicht zufrieden. Der Autor scheint ebenfalls viele Jahre damit verbracht zu haben, diesen „Wunsch“ zu befriedigen.
Welche Perspektive hat der Autor also gewonnen? Ich möchte, dass Sie die Details durch das Buch selbst „erfahren“, daher werde ich nicht zu tief auf den Inhalt eingehen, aber die Kernpunkte, wie der Titel andeutet, sind „Ellipse“ und „Skelett“.
Der Austausch und die Verschmelzung der Klangwelten des „relativen Do“ und des „relativen La“. Der Autor scheint mit „Ellipse“ die Beziehung zu bezeichnen, die er durch eine Neubetrachtung der Verbindung zwischen „Do“ und „La“ entdeckt hat, die er zuvor allein durch Begriffe wie „Paralleltonart“ und „Varianttonart“ verstanden zu haben glaubte.
Und dann, indem er sich erneut dem „Gesang“ zuwendet, findet er Bedeutung im Gerüst (Skelett) des Gesangs, nämlich dem Quartenintervall (das der Autor „Gedächtnis der Stimme“ nennt). (Anmerkung: Diese Idee stammt vom verstorbenen Minao Shibata).
Das starke Zentrum, das ein Lied besitzt, und das Zentrum, das die es stützende Harmonie besitzt. In der Lücke dazwischen verbirgt sich ein „angenehmer Klang“, der weder aus der Perspektive der Funktionsharmonik noch der Modalität allein sichtbar wird, und das „Skelett (das Quartenintervall als Gedächtnis der Stimme)“ ist effektiv, um ihn zu erfassen.
Ich glaube, man kann sagen, dass Lieder, wie man sie in japanischen traditionellen Kinderliedern (Warabe-uta) und ungarischen Volksliedern findet, von Natur aus ein starkes Zentrum besitzen. Daher ist es ein nachvollziehbarer Gedanke, dass Menschen aus solchen Kulturen ihr eigenes „Element haben, das ein Lied auf natürliche Weise zu einem Lied macht“. Es scheint, dass er dies als „Skelett (das Quartenintervall als Gedächtnis der Stimme)“ bezeichnet.
Der Autor hat auch seit langem Interesse am „Blues“ gezeigt und in seinem Buch „Die Musik von Chick Corea“ (1995, Ongaku No Tomo Sha Corp.) sogar das Konzept des „Meta-Blues“ vorgeschlagen. Es scheint, dass „Ellipse und Skelett“ das Ergebnis einer Neubetrachtung dieses „Meta-Blues (der damals nur aus der Perspektive des ‚relativen Do‘ betrachtet wurde)“ aus der Perspektive des ‚relativen La‘ und einer gründlichen Verfolgung der neu entdeckten Beziehung zum „Gesang“ ist. Daher kommen auch in diesem Buch häufig Betrachtungen zum Blues vor.
Allerdings bezieht sich „Blues“ hier nicht auf ein bestimmtes Musikgenre. Der Autor definiert „Blues“ als das Gefühl, das man durch den „angenehmen Klang (Akkordwechsel)“ selbst beim Hören von Bluesmusik erhält (dies wird in seinem Buch „Die Musik von Chick Corea“ detailliert beschrieben). Deshalb finden sich häufig Ausdrücke wie „Ich spüre hier den Blues“.
Sein Buch „Die Musik von Chick Corea“ gilt übrigens als ein Höhepunkt im Vorschlag einer „Grammatik des Klangfarbenwechsels, motiviert durch Modi (Modalität)“. Es drückt deutlich den Wunsch des Autors aus – bevor er sich des „Gesangs (Gedächtnis der Stimme)“ bewusst wurde –, dass „verschiedene faszinierende ‚angenehme Klänge‘ durch das, was man diesen ‚Super-Modalismus‘ (oder Hyper-Modalismus) nennen könnte, erfasst werden könnten“. Interessierte sollten dieses Buch ebenfalls lesen.
Nun, ich habe auch Herrn Yamashitas „Ryuichi Sakamoto: Eine Musikgeschichte“ (1993, Ohta Publishing) gelesen, und ich glaube, was sich durchgängig darin findet, ist der „Wunsch zu verstehen und Bedeutung zu finden“. In seiner Haltung, Klängen nachzugehen, die sich „für den Autor gut anfühlen“, und ihnen Bedeutung zu verleihen, spürt man eine fast obsessive Qualität.
Die Worte des Autors: „Ob es Ryuichi Sakamoto oder Chick Corea war, meine Logik hatte meine eigenen Empfindungen wirklich nicht eingeholt“, klingen wie eine Selbstkritik und Ermutigung an sich selbst. Sein Wunsch wird wahrscheinlich auch in Zukunft nach einem Ventil suchen.
Verwandte Bücher
