Welche Motivation treibt jemanden, der Musik erschafft, dazu, Texte über die Musik zu verfassen? In meinem Fall ist es so, dass ich gerade angesichts der wesentlich unbeschreiblichen Natur der Musik, deren unübersetzbare Kraft ich kenne, den Drang verspüre, Worte zu weben. Es ist nicht der Versuch, das strahlende Licht selbst zu greifen, sondern eher ein Akt, der dem mühsamen Nachzeichnen der Schattenrisse gleicht, die dieses Licht auf den Boden wirft.
Die Fragen „Was ist Musik?“ oder „Was ist Komponieren?“ zu stellen und eine Definition durch Sprache zu versuchen, führt mich paradoxerweise an den Punkt, an dem ich die Nicht-Verbalität der Musik anerkennen muss. Meine Texte stehen am Abgrund dieser gigantischen Präsenz namens Musik; sie sind gewissermaßen Ebenbilder oder abstrahierte Skizzen, die dort entstanden sind.
Der Philosoph Ludwig Wittgenstein hinterließ das berühmte Diktum: „Wovon man nicht sprechen kann, darüber muss man schweigen.“ Doch wie der Kunstethnologe Tomohisa Nakajima suggeriert, ist es uns möglich, zwar über das Unsagbare zu schweigen, aber die „Unsagbarkeit des Unsagbaren“ selbst zu verbalisieren. Am Rande des Schweigens zu stehen, zu fragen, warum dort eine Grenze verläuft, und darüber zu sprechen – das scheint mir eine aufrichtige Haltung zu sein, die ein Schöpfer einnehmen kann.
Für mich ist die musikalische Erfahrung, die ich durch das Komponieren gewinne, ein einzigartiger Moment, in dem ich die unwiderstehliche Kraft der Musik und ihre „Qualia“ spüre. Mit Qualia meine ich jene subjektive „Textur“ oder den „Geschmack“, der sich einer vollständigen sprachlichen Erklärung entzieht. Die Worte, die durch diese Erfahrung inspiriert werden, nehmen den Charakter einer „Sekundärschöpfung“ gegenüber der primären Kreation an.
Diese so entstandenen Texte sind der Musik nicht einfach untergeordnet, und sie sind erst recht keine bloße Umwandlung der Musik in eine andere Form. Man könnte sie als unabhängige Kreationen bezeichnen, ähnlich wie „Satelliten“, die im Gravitationsfeld des Planeten Musik bleiben, aber ihre eigenen Bahnen ziehen.
Dieser Prozess der Verbalisierung hat sich im Laufe der Zeit als ein Teil meiner kreativen Tätigkeit formiert. Das aufmerksame Lauschen auf die Musik, das Beobachten winziger Veränderungen und das Zusammensetzen der dort aufgesammelten Worte ähnelt dem „Komponieren“ eines Objekts.
„Musik komponieren“, „Texte schreiben“ und das Sammeln dieser Fragmente unter der eigenen Persönlichkeit, um eine Form zu errichten – diese Tätigkeiten sind für mich wie der Bau eines „Schlossmodells“, das das Gesamtbild meiner schöpferischen Arbeit symbolisiert. Es erfüllt mich mit einer stillen Euphorie. Ich fühle mich stark davon angezogen, die Ästhetik im Detail, die Disharmonien im Gesamtgefüge und die einzigartige Textur, die aus der gesamten Form hervorgeht, aus einer Meta-Perspektive zu genießen.
Bei tieferer Betrachtung könnte man sagen, dass ich hierbei ein System errichte, um meinen eigenen Schaffensprozess von außen zu beobachten. Durch die Kombination zweier qualitativ unterschiedlicher Ausdrucksformen – Musik und Sprache – beginnt dieses Gebilde als „Beobachtungsexperimentalsystem“ zur Aktualisierung der eigenen Kreativität zu fungieren.
Innerhalb dieses Systems existieren zwei Versionen meiner selbst: Der „Praktiker“, der sich dem Klang stellt und konkret Noten setzt, und der „Beobachter“, der das Verhalten des Praktikers aus der Vogelperspektive betrachtet, aufzeichnet und nach Nahrung für die nächste Schöpfung sucht. Wenn diese Beziehung zu funktionieren beginnt, nimmt das Gesamtsystem Züge eines lebenden Organismus an. Hier drängt sich der biologische Begriff der „Autopoiese“ (Selbsthervorbringung) auf – ein Mechanismus, bei dem ein System die Elemente, aus denen es besteht, ständig selbst neu erschafft.
Die Praxis des Musikmachens führt zur Frage „Was ist das?“ und regt die Verbalisierung an. Der Akt der Beobachtung durch das „In-Worte-Fassen“ ermöglicht eine objektive Selbstsicht und liefert neue Perspektiven und Energie für die nächste Musik. Musik ruft nach Worten, und Worte werden zum Dünger, der den Boden der Musik bereichert. Durch diesen autonomen Kreislauf scheint die Lebenskraft des Schaffens erhalten zu bleiben.
Da es sich jedoch um einen „Organismus“ handelt, gibt es immer Wellen im „Gesundheitszustand“. Wenn bei mir das Übergewicht auf der sprachlichen Tätigkeit des Beobachters liegt, empfinde ich meist ein Gefühl des Unbehagens. Dieses Unwohlsein ist wohl ein inneres Warnsignal dafür, dass die „Praxis“ (die Musikproduktion), die die eigentliche Energiequelle des Systems sein sollte, stagniert. Es ist ein Zeichen dafür, dass der kreative Blutfluss stockt und die Lebenskraft schwindet.
Ich möchte in erster Linie jemand sein, der Musik manifestiert. Dass ich Leere empfinde, wenn sich Worte ohne Praxis anhäufen, liegt an meinem Verlangen, eher ein „Praktiker“ als ein Kritiker zu sein. Die Frage „Entfernt sich das Ich, das Worte ausschöpft, von dem Ich, das praktiziert?“ ist eine ständige innere Instanz, die mich stützt und zugleich mahnt.
Natürlich gibt es im Prozess des Schaffens Zeiten, in denen man sich tief im Wald der Worte verirrt. Aus eigener Erfahrung kann ich sagen, dass dies niemals verschwendete Zeit ist, sondern ein notwendiger Prozess. Dennoch möchte ich nicht in der Rolle des „Malers, der nicht malt“, eine Erzählung suchen, sondern auf der Seite der Praxis stehen und weiterhin etwas erschaffen, auch wenn es unvollkommen sein mag.
Das Verbalisieren von Gedanken ist ein Teil des Antriebs meines kreativen Systems und gleichzeitig eine „Vorsorgeuntersuchung“, um dessen Gesundheit zu messen. Auch in diesem Moment, während ich diese Zeilen schreibe, spüre ich den Blick des Beobachters auf mir. Das Nachdenken im Meer der Worte ist eine wichtige Vorbereitungszeit für das nächste Werk. Mir ist erneut bewusst geworden, dass es entscheidend ist, eine flexible Vorstellungskraft zu bewahren, die Praxis und Beobachtung beständig miteinander vermischt, damit der Kreislauf der Schöpfung nicht ins Stocken gerät.
