(Ursprünglich veröffentlicht am 10. Dezember 2008)
Orchestrierung ist per Definition die Sammlung von empirischen Regeln und Methoden, um Musik durch ein Orchester zum Klingen zu bringen. Dieser Artikel konzentriert sich jedoch speziell auf die Praxis und den Ansatz der Musikproduktion mit Orchesterklängen mittels PC/DAW.
Grob ausgedrückt kann man sagen, dass heute weitaus mehr Menschen ein Orchester „über Lautsprecher“ durch Tonträger (wie CDs) gehört haben, als live in einem Konzertsaal.
Ich war da keine Ausnahme. Als ich zum ersten Mal eine Live-Aufführung erlebte, war ich von der schieren Fülle des vom Orchester geschaffenen musikalischen Raums völlig gefesselt. Mir wurde bewusst, wie informationell begrenzt und in gewisser Weise akustisch abstrahiert das Orchester war, das ich von Aufnahmen kannte.
Gleichzeitig bestärkte es meine Gedanken über die einzigartige, in sich geschlossene Natur eines „aufgenommenen und bearbeiteten Orchesters“ und die Stärke seiner „vorstellungserweckenden Kraft“.
Ich spürte, dass ein aufgenommener und bearbeiteter Klang die Kraft besitzt, die kulturellen, sozialen und klanglichen Bilder, die mit einem Orchester verbunden sind, über den Kontext der Hörumgebung hinaus hervorzurufen.
In den 1980er Jahren, als die Sampling-Technologie weit verbreitet und in die musikalische Darbietung integriert wurde, eroberte ein Sound namens „Orchester-Hit“ – ein Sample eines vollen Orchester-Tuttis (alle spielen ein Fortissimo-„Knall!“) – die Welt im Sturm.
Ein Grund für seine Wirkung war, dass er einen im Grunde nicht transportablen Klang portabel machte, da der Orchesterklang untrennbar mit der Akustik des Saales verbunden ist.
Die vorstellungserweckende Kraft dieses einzigen Klangs war immens. Sein bloßes Ertönen konnte die Stimmung eines Musikstücks augenblicklich und entscheidend prägen. Übrigens wurde der Orchester-Hit selbst später zu einem festen Bild und verkam zum Klischee, aber die Kraft dieses „Hits“ (eines mächtigen Tuttis) lebt heute in Synthesizer-Sounds weiter.
Wir haben also diesen gesampelten Orchesterklang, der weit von seiner ursprünglichen Form entfernt sein sollte. Dennoch projizieren und empfinden die Hörer darin eine Vielzahl von Bildern. Während wegweisende Toningenieure es sich zur Aufgabe machten, Aufführungen so originalgetreu wie möglich festzuhalten, erkundeten sie auch neue Klangwelten, die die Fantasie der Menschen anregten.
Zum Beispiel schufen Künstler in experimentellen Jazz- und Symphonieorchester-Aufnahmen ab den 1960er Jahren Musik, die nur auf einer Aufnahme existieren konnte, indem sie Lautstärke, Balance und Klangfarbe absichtlich mit Effekten versahen und übertrieben. Dies kann als Produkt der „Album-als-Gesamtkunstwerk“-Philosophie gesehen werden, die mit der Einführung des Mehrspur-Recordings (MTR) begann.
Wenn die endgültige Form einer PC/DAW-basierten Produktion eine „Aufnahme ist, die über Lautsprecher abgespielt wird“, dann glaube ich, dass wir bewusst danach streben sollten, eine Orchestrierung zu meistern, die für die Aufnahme und Bearbeitung konzipiert ist. Wir müssen überlegen, welche Art von „Orchester-Bild“ der Hörer hat (oder nicht hat) und entscheiden, ob wir uns diesem Bild anpassen, es unterlaufen oder es übertreiben.
Wenn man dies im Hinterkopf behält, eröffnet sich die Möglichkeit, den Akt der Orchestrierung selbst vielschichtig zu behandeln. Dies umfasst nicht nur Änderungen in der Instrumentierung, sondern auch Dinge wie die Veränderung des angenommenen akustischen Raums der Aufführung oder das Anstreben eines „Meta-Performance“-Effekts durch die direkte, nicht-physische Anwendung von Effekten auf den Klang.
Ich glaube, dass die bewusste Anwendung dieses Ansatzes – anstatt nur die reale Orchestrierung in die virtuelle Welt der Aufnahme und Bearbeitung zu zwängen – eine Möglichkeit ist, die Orchestrierung in einer PC/DAW-Umgebung wirklich zu nutzen.
Eines der Werke, in denen ich versucht habe, mit diesen Ideen zu experimentieren, ist „Gedanken, die im tiefen Blau schweben (Thoughts Floating in the Deep Blue)“.
Zum Lernen ist es zwar entscheidend, so viel Live-Orchestermusik wie möglich zu erleben, aber es ist auch wichtig, diese Erfahrung zu nutzen, um zu spüren, was in einer Aufnahme verloren geht oder verändert wird. Mit diesem Verständnis wird das Lernen von CDs und Partituren sehr effektiv (Referenzen: „Die vollständige Orchestrierungslehre“ von Akira Ifukube, „Orchestrierung“ von Walter Piston).
Tatsächlich findet sich einer der Höhepunkte der Orchestrierungspraxis im modernen Aufnahme- und Bearbeitungsstil in der Filmmusik. Aus dieser Perspektive zuzuhören, kann viele wertvolle Einblicke und Ideen für einen Schöpfer liefern.
Ich glaube, dass die Erweiterung der Idee, „Orchestrierung zu verwenden“, auf die Bedeutung „das *Bild* zu verwenden, das das Orchester trägt“ und flexibel zu denken, ein musikalisch wichtiger Schritt ist.
