（Erstveröffentlichung am 29. März 2015）
Eine der Bedingungen, um einen Durchbruch zu erzielen und die eigenen Fähigkeiten auf eine neue Stufe zu heben, besteht darin, Aufgaben zu übernehmen, die einen über die aktuellen Grenzen hinaus fordern. Eine für mich entscheidende Erfahrung dieser Art war die Produktion von Theatermusik, die ich im Alter von 20 Jahren übernahm – es handelte sich um das Musical „Carousel“.
Die Aufgabe bestand darin, Orchesterbegleitungen für die Musicalnummern per MIDI-Sequencing zu erstellen. Man könnte sagen, es ging darum, für die Wiedergabe im Theatersaal taugliche Karaoke-Versionen vorzubereiten.
Mein Klavierlehrer an der Musikschule hatte mir das Projekt mit den Worten empfohlen: „Das wäre eine gute Lernerfahrung für dich.“ Also entschloss ich mich teilzunehmen, obwohl ich außer Interesse an der Musikproduktion mit dem Computer und einem unbegründeten Selbstvertrauen kaum etwas vorzuweisen hatte. Ein Orchester eigenhändig zu reproduzieren, schien damals ein Ding der Unmöglichkeit.
Ich erhielt vom Theaterensemble den Klavierauszug von „Carousel“ und eine Referenz-CD, und so begannen meine Tage, in denen ich versuchte, eine klassische und opulente Orchesterbegleitung per Sequencing zu erschaffen.
Aus probentechnischen Gründen war das erste Stück, das ich erstellen musste, „June Is Bustin’ Out All Over“ (Der Juni bricht überall aus) aus dem ersten Akt. Gleich zu Beginn sah ich mich mit einem enorm schwierigen Stück konfrontiert und raufte mir die Haare.
Ich betrachtete den Klavierauszug als eine Art Orchesterskizze und setzte die Arbeit fort, die Orchesterparts zu rekonstruieren, indem ich die CD akribisch anhörte und nachahmte. Es war offensichtlich, dass jeder Versuch einer eigenen Orchestrierung mit meinen damaligen Fähigkeiten nicht nur eine schlechte Imitation, sondern etwas völlig Unsinniges hervorgebracht hätte. Daher war mein Ziel, eine möglichst exakte Kopie der CD zu erstellen, und ich verbrachte Stunden über Stunden damit, mich in den Klavierauszug und die CD zu vertiefen.
Das größte Problem war die Gestaltung des musikalischen Ausdrucks. Die Aufgabe, der Musik Dynamik, Temposchwankungen, Tenuto, Staccato und diverse Artikulationen zu verleihen, um sie nicht nur als „Aneinanderreihung von Tönen“, sondern als „Musik“ erlebbar zu machen, erwies sich als gewaltige Herausforderung.
Während ich die CD hörte, beobachtete und imitierte ich mikroskopisch genau, versuchte aber gleichzeitig, das Gleichgewicht zu wahren, indem ich den großen Fluss und seine Entwicklung im Auge behielt. Aufgrund meiner technischen Mängel kam ich jedoch nur langsam voran.
„Hier scheinen die Posaunen eine dichte Begleitung mit Staccato auf den Offbeats zu spielen.“
„Ich habe es versucht, aber es klingt nur breiig und zu laut.“
„Wenn man genau hinhört, wirkt die oberste Notenlinie der Sektion wie eine Phrase.“
„Okay, versuchen wir, die anderen Noten außer der obersten abzuschwächen und auch die Release-Zeiten weicher zu gestalten, um sie zurücktreten zu lassen.“
„Aber es klingt immer noch mechanisch.“
„Wie wäre es dann, die Attack-Zeiten leicht zu variieren?“
Solche mühevollen Versuche, nur wenige Takte zu erstellen, verschlangen enorm viel Zeit, und bei Passagen mit vielen Instrumenten nahmen die Schwierigkeiten noch zu. Die gut vier Minuten Länge des gesamten Stücks erschienen hoffnungslos riesig, und egal wie viel ich arbeitete, ein Ende war nicht in Sicht. Ich musste mich einer Wand stellen, wie ich sie noch nie zuvor erlebt hatte.
Schließlich setzte ich die Arbeit einfach fort, kämpfte mich mit schierer Gewalt durch und erreichte nach etwa drei Wochen seit Beginn die Fertigstellung.
Ohne Verschnaufpause machte ich mich an „Blow High, Blow Low“. Dadurch, dass ich ein Stück irgendwie geschafft hatte, schien sich sowohl datentechnisch als auch gefühlsmäßig eine Art Vorlage für meine Sequencing-Methode gebildet zu haben. Der Schwierigkeitsgrad sank deutlich, und die Produktionszeit verkürzte sich erheblich.
Ich nehme an, ich hatte „den Dreh raus“. Idealerweise hätte ich die Elemente und Probleme in kleinere Teile zerlegen und sie einzeln meistern und lösen sollen. Stattdessen war ich alles auf einmal frontal angegangen. In diesem Sinne hatte ich auch Glück, dass es nicht im Desaster endete.
Die so entstandene Musik wurde Stück für Stück auf Kassette aufgenommen und an das Theaterensemble geschickt, wo die Gesangs- und Tanzproben voranschritten.
Später, als alle großen Tanznummern fertig waren, besuchte ich das Probenstudio für eine weitere Besprechung. Als ich dort Gesang und Tanz zu „June Is Bustin’ Out All Over“ und „Blow High, Blow Low“ sah, verstand ich, nicht mit dem Kopf, sondern mit dem Herzen, welche Bedeutung meine einsame Arbeit im großen Ganzen hatte. Es war ein Moment, in dem ich mich fühlte, als stünde ich auf den Schultern von Giganten wie Richard Rodgers und Hammerstein, und ich konnte die Kraft der Musik auf eine Weise neu erkennen, die ich zuvor noch nie erlebt hatte.
So ist „Carousel“ für mich nicht nur eine wichtige Gelegenheit für einen technischen Durchbruch gewesen, sondern auch ein Werk von monumentaler Bedeutung, das meine innere Haltung zur Musik verändert hat.
