(Première publication le 26 juin 2000)
Bien que le titre ne suggère guère un livre sur la musique, cet ouvrage de Kunihiko Yamashita englobe ses écrits antérieurs et regorge de réflexions et de prises de conscience, ce qui en fait une lecture très enrichissante. Si l’on devait absolument le classer, ce livre ne serait pas un traité de théorie musicale ou de technique de composition (bien qu’il puisse certainement supporter de telles lectures), mais plutôt de la « critique musicale ».
Pour être plus précis, on pourrait le décrire comme le compte rendu (un documentaire) de l’activité de l’auteur cherchant à saisir, comprendre et donner un sens à « sa propre sensibilité musicale » à travers la critique d’artistes avec lesquels il a principalement interagi, tels que « Keith Jarrett », « The Beatles », « Ryuichi Sakamoto », « Chick Corea », « Mr. Children » et « Tetsuya Komuro ». Ainsi, il va de soi qu’il ne suffit pas de suivre le texte et d’en comprendre la logique.
Pour ceux qui composent avec une attitude ne serait-ce qu минимаlement réflexive, ce livre peut constituer une proposition pour mettre en lumière les valeurs de leurs « propres expériences sensorielles ». Vous pourriez penser : « Ah, il existe donc cette façon d’envisager « un certain son qui procure une sensation agréable sans que je sache vraiment pourquoi » ».
De plus, il décrit des choses que beaucoup pratiquent mais qui sont rarement abordées dans les livres (par exemple, l’ossature des intervalles de quarte dans une mélodie et le sentiment de distance et de différence par rapport à l’harmonie d’arrière-plan (au sens large) ; en termes courants, la signification de la relation entre les mélodies pentatoniques et l’harmonie). Cela procure également un sentiment de soulagement, comme si un poids avait été retiré de la poitrine.
Quiconque a déjà analysé la musique d’autrui comprendra que dans les analyses basées sur la tonalité courante, on peut rencontrer des ambiguïtés, par exemple pour déterminer si un certain accord non diatonique doit être considéré comme un accord d’emprunt ou une modulation passagère. Ce sont souvent des choses que l’on ne saurait deviner sans interroger le compositeur, et même le compositeur n’en est pas toujours conscient. Et si la raison était simplement « parce que ça sonnait bien » ?
De plus, si « une note apparaissant dans la mélodie était une soi-disant « note à éviter » (avoid note) », n’avez-vous jamais ressenti une « insatisfaction analytique », pris entre la « bonne sensation » que vous avez éprouvée et la théorie des notes à éviter ? Pour être franc, je pense qu’on n’a d’autre choix que de croire silencieusement à la sensation de « bien », mais malheureusement, pour le « désir de comprendre et de donner du sens », cela ne suffit pas à convaincre. L’auteur semble également avoir passé de nombreuses années à tenter de satisfaire un tel « désir ».
Alors, quelle perspective l’auteur a-t-il acquise ? Je souhaite que vous « expérimentiez » les détails à travers le livre lui-même, j’éviterai donc d’entrer trop profondément dans le contenu, mais les points essentiels, comme l’indique le titre, sont « Ellipse » et « Squelette ».
L’échange et la fusion des univers sonores du « Do mobile » et du « La mobile ». L’auteur semble utiliser le terme « ellipse » pour désigner la relation qu’il a découverte en réexaminant le lien entre « Do » et « La », qu’il pensait auparavant comprendre simplement à travers des termes comme « tonalité relative » et « tonalité homonyme ».
Et puis, en se concentrant à nouveau sur le « chant », il trouve un sens à l’ossature (squelette) du chant, en particulier l’intervalle de quarte (que l’auteur appelle « mémoire de la voix »). (Note : cette idée est attribuée à feu Minao Shibata).
Le centre fort que possède un chant, et le centre que possède l’harmonie qui le soutient. Dans l’intervalle entre eux se cache un « son agréable » qui ne peut être perçu sous les seuls angles de l’harmonie fonctionnelle ou de la modalité, et le « squelette (l’intervalle de quarte comme mémoire de la voix) » est efficace pour le saisir.
En premier lieu, je crois que l’on peut dire que les chants, comme on le voit dans les chants traditionnels pour enfants japonais (warabe-uta) et les chants folkloriques hongrois, possèdent intrinsèquement un centre fort. Par conséquent, il est compréhensible que les peuples issus de telles cultures aient leur propre « ce qui fait qu’un chant est naturellement un chant ». Il semble que c’est ce qu’il appelle le « squelette (l’intervalle de quarte comme mémoire de la voix) ».
L’auteur s’intéresse également depuis longtemps au « blues » et a même proposé le concept de « méta-blues » dans son livre « La Musique de Chick Corea » (1995, Ongaku No Tomo Sha Corp.). Il semble que « Ellipse et Squelette » soit le résultat d’un réexamen de ce « méta-blues (qui n’était alors envisagé que sous l’angle du ‘Do mobile’) » sous l’angle du ‘La mobile’ et d’une exploration approfondie de la relation nouvellement découverte avec le « chant ». C’est pourquoi les discussions sur le blues sont également fréquentes dans ce livre.
Cependant, le terme « blues » ne désigne pas ici un genre musical spécifique. L’auteur définit le « blues » comme la sensation que l’on éprouve face au « son agréable (changements d’accords) » lui-même en entendant de la musique blues (ce point est détaillé dans son livre « La Musique de Chick Corea »). C’est pourquoi on rencontre souvent des expressions comme « Je ressens le blues dans cette partie ».
Incidemment, son livre « La Musique de Chick Corea » est considéré comme un point culminant dans la proposition d’une « grammaire du changement de timbre motivée par les modes (modalité) ». Il exprime clairement le désir de l’auteur, avant sa prise de conscience du « chant (mémoire de la voix) », que « divers « sons agréables » fascinants pourraient être saisis par ce que l’on pourrait appeler ce « super-modalisme » (ou hyper-modalisme) ». Si vous êtes intéressé, n’hésitez pas à lire également cet ouvrage.
Or, j’ai également lu « Ryuichi Sakamoto : Une Histoire Musicale » (1993, Ohta Publishing) de M. Yamashita, et je crois que ce qui y est constant, c’est le « désir de comprendre et de donner du sens ». Il y a une qualité presque obsessionnelle dans son attitude à poursuivre et à tenter de donner un sens aux sons qui « procurent une sensation agréable à l’auteur ».
Les mots de l’auteur, « Que ce soit pour Ryuichi Sakamoto ou Chick Corea, ma logique n’avait véritablement pas rattrapé mes propres sensations », résonnent comme une auto-réprimande et un encouragement qu’il s’adresse à lui-même. Son désir continuera probablement à chercher un exutoire à l’avenir.
Livres associés
