(Première publication le 9 juin 2006)
J’ai écouté les Symphonies N° 3, 7 et 8, les Concertos pour Piano N° 2 et 3, et d’autres œuvres d’Einojuhani Rautavaara (1928- ). Le site web de NAXOS propose de riches échantillons audio, ce qui est pratique pour découvrir des compositeurs inconnus. On peut explorer en se basant sur la réputation publique ou écouter comme si l’on ouvrait au hasard une encyclopédie.
Ainsi, dans mon exploration de diverses œuvres Néo-Romantiques, Néo-Simplicité et Minimalistes, j’ai d’abord suivi des informations sur des compositeurs comme Pärt, Górecki et Adams, et ce faisant, je suis finalement arrivé à Rautavaara.
Par manque de connaissance, j’ignorais que ce Rautavaara est peut-être le compositeur le plus renommé des pays nordiques. De plus, son univers sonore est tout à fait, ou plutôt, très à mon goût. Tout en souhaitant l’avoir découvert plus tôt, j’éprouve aussi une émotion complexe, pensant que peut-être il était bon d’avoir pu me tenir à l’écart du « boom de la Symphonie N° 7 », car je n’aime pas les modes. De plus, je me suis davantage intéressé à l’histoire musicale personnelle de Rautavaara qu’à sa position dans le courant des mouvements de l’histoire de la musique comme le Néo-Romantisme ou la Néo-Simplicité.
Il a connu un changement de style considérablement romantique vers les années 1970. Cependant, même dans les sonorités sérielles sévères de ses premières œuvres, je ressens des harmonies qui ont la saveur du Rautavaara actuel. Cela me fait penser qu’il a forgé une sensibilité obstinée dans le bon sens. Incidemment, c’est quelque chose que j’ai aussi ressenti lorsque j’ai écouté la musique de Sculthorpe auparavant : face à un compositeur qui exprime un romantisme lyrique ou personnel, je ressens le besoin de retracer sa trajectoire compositionnelle. C’est peut-être un désir qui découle de mon propre souhait désespéré de renouveau musical.
Profitant de cette occasion, j’ai l’intention d’explorer de nombreuses autres œuvres de Rautavaara, ainsi que les œuvres d’autres compositeurs nordiques.
Postface : Du Sérialisme à la Tonalité ~ Ce qui Coule en Dessous
(Postface ajoutée le 15 mai 2025)
Pour réitérer, en pensant à Rautavaara, beaucoup de gens peuvent avoir l’image d’un compositeur contemporain relativement accessible, connu pour ses œuvres ultérieures intégrant des chants d’oiseaux et possédant une sonorité grandiose et magnifique. Cependant, en retraçant sa carrière, il y a eu une période dans ses premières années où il était profondément impliqué dans la technique dodécaphonique et la musique sérielle. Le langage musical superficiel de ses premières et dernières œuvres est complètement différent, à tel point qu’au premier abord, on pourrait ne pas croire qu’elles ont été écrites par le même compositeur. Alors que ses premières œuvres sérielles possèdent une certaine rigueur et rigidité, ses dernières œuvres présentent des mélodies et des accords clairs et sont remplies de sonorités lyriques et vastes.
Examinons pourquoi son style a changé si radicalement, et s’il existe une « rautavaara-ité » commune qui coule entre les œuvres de ces deux périodes différentes.
En regardant les changements de style de Rautavaara sous l’angle de la manière dont il a sélectionné et maîtrisé certaines « techniques » et « théories » pour sa propre expression, je pense que des perspectives intéressantes peuvent être obtenues. Par exemple, les points suivants peuvent être cités comme des points communs derrière le changement majeur de la période sérielle précoce à la période tonale ultérieure.
A. Fort Engagement envers le Son et Capacité à Construire la Texture
La technique sérielle est une méthode de composition stricte de la hauteur, du rythme, etc., basée sur des séries numériques. Cependant, même dans sa première période, il semble que Rautavaara portait un vif intérêt non seulement à la manipulation mécanique, mais au son lui-même qui en naissait. La texture créée par sa superposition unique de sons et sa combinaison d’instruments est caractéristique même de sa première période. Cela est également vrai dans ses œuvres ultérieures ; tout en utilisant des accords clairs, l’orchestration de Rautavaara est toujours unique, créant des espaces acoustiques avec transparence et profondeur. Peut-être que la sensibilité pour le traitement méticuleux des particules et couches sonores cultivée dans la première période a conduit à la texture riche de la période ultérieure.
B. Conscience de la Forme et Capacité à Construire l’Œuvre Entière
Les œuvres de Rautavaara, même celles aux sonorités de surface différentes, présentent souvent un sens de la forme fort et cohérent. Sa musique semble construite sur une certaine « ordre » et « logique ». Dans la période sérielle, la série de hauteurs soutenait cette logique, mais dans la période ultérieure, il a choisi des formes plus libres et des structures qui suivaient son propre flux musical intérieur. Cependant, la capacité à maintenir l’intégrité de l’œuvre entière et à la faire sonner comme un tout unifié a été cohérente depuis la première période. Je pense que cela démontre une posture compositionnelle fondamentale de recherche de l’inéluctabilité musicale à partir du son chaotique.
C. Désir Constant de « Mysticisme » et de « Transcendance »
L’un des éléments importants pour discuter des œuvres de Rautavaara est l’atmosphère mystique et quelque peu transcendante qui coule constamment à travers sa musique. Même dans ses premières œuvres sérielles, il y a des moments qui évoquent une sonorité introspective et cosmique, pas seulement une collection aléatoire de sons. Dans ses œuvres ultérieures, en utilisant de belles mélodies et des accords grandioses, ce mysticisme est exprimé d’une manière qui résonne plus directement dans le cœur de l’auditeur. Les thèmes sont variés, de la fusion de l’homme et de la nature (oiseaux) dans « Cantus Arcticus » à la vision du monde introspective et mythique apparaissant dans ses œuvres opératiques. Indépendamment de la technique, on peut dire que Rautavaara a toujours visé une musique qui touche le monde spirituel au-delà du quotidien ou l’origine du monde.
D. Conscience Latente ou Manifeste de la Mélodie
Dans la musique sérielle, la « mélodie » au sens traditionnel est souvent fragmentée. Cependant, dans les premières œuvres de Rautavaara, il est possible de sentir une sorte de « présence » mélodique au sein des relations de hauteurs extraites de la série de hauteurs. Dans ses œuvres ultérieures, cette mélodicité s’épanouit pleinement, devenant un « chant » agréable à l’oreille de l’auditeur. Cependant, ses mélodies ne sont pas seulement faciles à comprendre ; elles possèdent un sens unique de flottement et une beauté imprévisible. Cela suggère que le sens aigu des relations de hauteurs cultivé dans la première période pourrait être lié à son écriture mélodique unique dans la période ultérieure.
──Vu sous cet angle, la transition stylistique de Rautavaara apparaît non pas comme une simple adhésion aux modes ou une complaisance envers le public, mais comme le résultat d’une sélection flexible de diverses techniques comme outils pour réaliser sa propre vision musicale intérieure. Peut-être que la technique sérielle et le langage tonal n’étaient pour lui que des moyens différents de façonner l’essence de la musique qu’il poursuivait, tels que le « son », la « forme » et le « mysticisme ».
L’œuvre de Rautavaara nous enseigne à nouveau l’importance d’écouter la pensée sous-jacente et le sens esthétique d’un compositeur, plutôt que de se laisser enfermer par le style superficiel, pour comprendre ce que le compositeur essaie d’exprimer. En écoutant et en comparant ses premières et dernières œuvres, on peut sentir l’individualité du compositeur qui transcende les différences techniques et les diverses possibilités expressives que la musique possède.
