*Avant-propos et Avertissement
Le contenu de cet article date de l’année 2009.
Il est publié en tant que « document/archive de l’environnement de production de l’époque » et il diffère de l’environnement de production et de la situation actuels.
Mémo sur la Séquence Orchestrale (1) À propos des banques de sons
Ces dernières années, l’environnement pour créer des sons d’orchestre par séquence a radicalement changé. Parmi ces changements, l’avènement de banques de sons orchestrales comme « Vienna » et « QLSO » peut être considéré comme un événement marquant.
Banque de sons utilisée : QLSO Gold Complete
Ces banques de sons se composent d’échantillons enregistrés massifs et étendus, caractérisés par un échantillonnage détaillé non seulement de la dynamique mais aussi pour chaque hauteur de note. En conséquence, il est devenu possible d’exprimer naturellement les « changements de timbre dus aux différences de registre », ce qui était auparavant difficile (De plus, Vienna a même rendu possible l’expression du changement continu du son – les transitions – pendant le jeu legato).
Cela a considérablement amélioré l’efficacité de l’application du savoir-faire de l’orchestration réelle, rendant possible des expressions nettement plus riches qu’auparavant.
J’utilise QLSO (Gold Complete), qui a une couleur sonore plus distinctive des deux. Comme vous pouvez l’entendre dans les démos sur le site du fabricant, il présente un son spécialisé, ou du moins excellant, dans le style flamboyant des bandes sonores de films hollywoodiens.
Son fortissimo est puissant, et les cuivres et percussions offrent une sonorité brillante et chatoyante. Un autre bon point est que ses sons pianissimo sont délicats tout en ayant une présence solide. Par exemple, il offre de nombreux timbres attrayants, y compris le son velouté des cordes avec sourdine et la sonorité transparente d’une trompette en pianissimo.
La liste est infinie, incluant les accords dans le registre grave des trombones avec sourdine, le vibrato doux du cor anglais, les notes graves profondes et tranquillement résonnantes de la clarinette basse, le coup doux d’un timbale qui ajoute une richesse claire aux autres instruments, et l’espace sonore serein créé par les cors français joués doucement dans le registre aigu.
Inversement, cependant, cela devient un obstacle lorsqu’on essaie de créer des sons de musique de chambre, des expressions chaudes et arrondies, ou de représenter une performance dans un espace mat (non réverbérant). Mais dans mon cas, mon désir principal était un son de grand orchestre riche, donc les avantages de choisir QLSO l’emportaient sur ces inconvénients.
Paramètres de QLSO
Comme j’utilise toujours un environnement 32 bits avec Windows XP et 3 Go de mémoire, j’utilise l’ancienne version Kompakt lorsque je travaille avec un orchestre complet. La raison en est qu’en réglant le préchargement au minimum, je peux terminer le travail sur un grand arrangement avec un seul PC.
Cependant, dans les passages avec des notes rapides dans un tutti complet, la vitesse de streaming du disque dur ne peut pas suivre, ce qui entraîne des cas où des notes sont coupées. Cela nécessite de gérer le problème en bounçant les pistes si nécessaire.
Cela dit, dans le travail de production réel, comme les sons déclenchés sont progressivement mis en cache en mémoire, les coupures de notes diminuent avec la lecture et l’édition répétées. Par conséquent, j’estime que les coupures ne sont pas un problème majeur tant que je travaille avec un processus de « modifier une section, puis passer à la suivante ».
Une caractéristique pratique de la version Kompakt est que le chargement du même patch plusieurs fois au sein d’une même instance du lecteur Kompakt ne consomme que la mémoire d’un seul patch.
En d’autres termes, par exemple, si je charge quatre instances d’un patch keyswitch pour les cors et que je les assigne respectivement comme Cors 1 à 4, cela n’utilise que la mémoire d’un seul patch. Cela permet une expression détaillée pour chaque instrument sans contraintes.
Dans mon cas, j’ai un modèle préparé avec une piste pour chaque instrument correspondant à un orchestre à trois bois (avec deux parties pour les cordes pour le divisi).
QLSO est connu pour son son réverbérant riche, dont une partie essentielle est le « release trail », un échantillon du son en déclin uniquement. Celui-ci est ajouté au note-off pour reproduire la réverbération de la salle, mais dans mon cas, je le désactive et applique plutôt une réverbération à convolution (IR reverb).
Il y a plusieurs raisons à cela. Premièrement, certains instruments comme certains cors et clarinettes ont des sons de déclin avec une image de réverbération peu naturelle, donc réappliquer une réverbération est une contre-mesure.
Deuxièmement, bien que cela sonne merveilleusement dans les passages de type choral, cela crée un effet peu naturel dans les performances avec divers accents comme le fortepiano ou lorsqu’on diminue progressivement le volume d’une note longue, car le son de la réverbération diminue en même temps que le son principal. Réappliquer une réverbération est également préférable pour cette raison.
La dernière raison est d’améliorer l’expressivité des articulations staccato. Les release trails ne sont pas fournis pour les patchs staccato ; ils sont enregistrés avec la réverbération de la salle incluse, et par défaut, le timing du note-off ne peut pas être spécifié (il joue toujours entièrement).
Par conséquent, même si vous voulez exprimer des staccatos fins (courts) et solides, ils finissent toujours avec la même finesse (longueur). Pour remédier à cela, je raccourcis le temps de relâchement (release time), qui est réglé sur une valeur extrêmement élevée par défaut, pour améliorer la contrôlabilité. Il devient alors nécessaire de réappliquer une réverbération pour compenser la partie réverbérante qui n’est plus jouée suite à cet ajustement.
Ce sont les paramètres de base de QLSO. Je procède à mon orchestration en me basant sur ceux-ci.
Mémo sur la Séquence Orchestrale (2) À propos de la DAW
Pendant de nombreuses années, j’ai utilisé la version Windows de Logic Platinum, mais comme son développement avait déjà cessé en raison de l’acquisition et du retrait du développeur, les problèmes de compatibilité VST étaient devenus importants. Ainsi, en 2007, j’ai finalement sauté le pas et suis passé à SONAR (si les détails de cette transition vous intéressent, veuillez consulter « Réflexions sur le renouvellement de mon PC et de mon séquenceur (DAW) »).
Généralement, les méthodes de séquençage de la musique orchestrale incluent la saisie en temps réel, la saisie via l’éditeur de partition et la saisie via le piano roll. Dans mon cas, bien que je fasse de la saisie en temps réel, j’utilise principalement le piano roll pour la saisie, l’édition et les ajustements.
Logiciel Séquenceur (DAW) : SONAR
Les fonctions d’édition du piano roll de SONAR s’étaient améliorées depuis la version 7, ce qui a été l’un des points clés de mon changement. Cela m’a permis d’assigner librement mes propres raccourcis clavier pour les actions d’édition du piano roll, rendant possible la reprise de mon flux de travail de Logic.
Les opérations que j’effectue fréquemment dans le piano roll sont l’ajustement de la vélocité, le changement de durée, le micro-ajustement du timing et la saisie/édition de diverses informations de Control Change.
En tant qu’élément clé pour ajouter de l’expression, je saisis une grande quantité de CC11 (Control Change n°11). Pour cela, j’utilise une combinaison de lignes et de courbes libres dessinées à la souris, ainsi que la saisie en temps réel depuis la molette d’un clavier MIDI.
Incidemment, SONAR implémente un langage de script appelé « CAL (Cakewalk Application Language) », qui peut être utilisé pour automatiser l’édition complexe de notes ou pour créer des modèles d’éditions fréquemment effectuées pour une application au besoin.
Je l’utilise principalement pour randomiser le timing des notes (en les décalant très légèrement) et pour le legato (en reliant les notes précédentes et suivantes avec une durée de 100%). La possibilité d’assigner l’exécution de scripts individuels à n’importe quel raccourci est très pratique.
Modèle pour pièce orchestrale
Lors de la production de musique avec un grand ensemble comme un orchestre, il est important d’avoir son propre fichier de modèle. Dans mon cas, j’ai un modèle pour un orchestre à trois bois plus des instruments auxiliaires, avec une piste par partie, utilisant principalement des patchs keyswitch.
Pour avoir le moins de restrictions possible lors de l’ajout d’expression à chaque instrument, pour les cors, par exemple, j’ai des patchs keyswitch, des patchs staccato et des patchs d’articulations spéciales configurés pour chacune des 4 (ou 6) parties et pour la section entière.
Cependant, si j’assignais une piste distincte pour chaque partie et articulation, le nombre de pistes deviendrait trop important. Donc, en pratique, je prépare des pistes en supposant que les patchs seront changés en utilisant les informations de canal MIDI.
Par exemple, je pourrais assigner un patch keyswitch de cor solo au canal 1, un patch staccato de cor solo au canal 2, un patch keyswitch de section de cors au canal 7, et ainsi de suite, puis assigner les informations de canal à chaque note au sein d’une seule piste MIDI.
Cela offre une bonne visibilité car je peux gérer les parties solo et de section au sein d’une seule piste. En conséquence, mon modèle actuel pour orchestre complet est maintenu à un peu moins de 100 pistes au total. C’est l’équivalent d’avoir une grande feuille de papier à musique vierge facile à utiliser.
Ce qui est important dans un modèle, c’est l’équilibre du volume entre ces différents patchs. Vous devez ajuster l’équilibre entre les bois, les cuivres, les cordes et les percussions, ainsi que l’équilibre entre les parties solo et de section. une procédure simple consiste à préparer et à séquencer une phrase d’ensemble complet à ff (fortissimo) pour vérifier l’équilibre. Un enregistrement CD est une référence appropriée pour cela.
Si l’équilibre à ff est bon, l’équilibre aux dynamiques plus douces peut être ajusté relativement facilement. À ce stade, il peut être nécessaire de rendre la courbe de vélocité plus douce (rétrécir la plage de changement) pour certains instruments.
Dans le cas de QLSO, la couche de vélocité la plus douce est réglée à une valeur de vélocité d’environ 70 ou moins, donc pour un ensemble complet à pp (pianissimo), les ajustements peuvent souvent être effectués simplement en changeant les valeurs de vélocité (par exemple, lorsque les cordes à pp = Vél. 50, le hautbois à pp = Vél. 65).
Auparavant, en faisant ces ajustements, je me suis souvenu de beaucoup de choses, comme la présence écrasante des cuivres à ff dans un ensemble complet, et que les bois se distinguent non pas tant par le volume mais parce que leur timbre unique se met en avant. Je continue de réviser et de mettre à jour mes modèles pour chaque nouvelle pièce sur la base de ces observations.
*Note ajoutée en 2025
Voici quelques pièces que j’ai produites en utilisant QLSO à cette époque.
QLSO a également été actif dans la production d’œuvres scéniques. Dans ces cas, sa facilité de mixage a permis une production rapide, et tant que les composantes de réverbération et le sens de l’échelle des sons d’échantillons s’intégraient bien, QLSO a pleinement démontré ses capacités.
Ceci conclut la republication de l’article de l’époque, sous la forme de « Édition 2009 : Mémo sur la Séquence Orchestrale (Archive) ».
