Rezension: „Komplette Orchestrierung“ von Akira Ifukube

(Erstveröffentlichung am 4. Januar 2009)

完本 管絃楽法

音楽之友社

伊福部 昭 (著)

Dies ist ein Meisterwerk, das seit seiner Veröffentlichung eine unerschütterliche Position als Gipfel der Orchestrierung innehat und ein Buch, das man als „die Bibel für das Schreiben orchestraler Werke“ bezeichnen sollte. Der Inhalt von Akira Ifukube, selbst ein Meister der Orchestrierung, zeichnet sich durch seinen wissenschaftlichen Forschungsdrang und seine präzise analytische Fähigkeit aus. Er liefert nicht nur detaillierte Erläuterungen zur Instrumentierung, sondern geht auch auf akustische Effekte, deren Auswirkungen auf das Gehör und sogar psychologische Effekte ein. Es besitzt eine Qualität und ein Volumen, die von keinem anderen Werk erreicht werden. Die neue Ausgabe, diese „Komplette Ausgabe“, fasst die Inhalte der alten Ausgabe, die ein zweibändiges Werk im Format A5 war, in einem einzigen Band zusammen, indem sie das Format auf B5 vergrößerte und in ein zweispaltiges Layout neu bearbeitete. Schwierig zu lesende alte Kanji-Zeichen wurden durch neue Kanji ersetzt, wodurch der unverwechselbare Schreibstil des Autors gut lesbar wurde, während sein einzigartiger Geschmack erhalten blieb. Die hohe Anzahl von Notenbeispielen und Abbildungen (ca. 1.000) und Indexeinträgen (ca. 5.000) belegen zusätzlich den dichten Inhalt dieses Buches.

Man kann ohne Übertreibung sagen, dass dieses Buch für jeden, der sich mit der Komposition und dem Arrangement von Orchestermusik befasst, unverzichtbar ist, und tatsächlich betrachten viele Musiker verschiedener Genres es als ihre Bibel. Obwohl es kein Buch für Anfänger in der Komposition und im Arrangement oder für Gelegenheitsmusikliebhaber ist, das man sofort lesen kann, ist es zweifellos ein Band, mit dem sich jeder, der die Orchestrierung ernsthaft meistern möchte, irgendwann auseinandersetzen wird.

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Zu den zahlreichen hervorragenden Punkten dieses Buches, wie z. B. die detaillierte Instrumentierung und der hohe lexikonartige Umfang, möchte ich besonders die umfangreichen Seiten hervorheben, die der Erörterung und Erklärung des „kollaborativen Effekts des Orchesters“ gewidmet sind (※Siehe unten im „Inhaltsverzeichnis dieses Buches“ für detaillierte Punkte). Als konkretes Beispiel untersucht das Buch im Abschnitt „Klangintensität und Dynamik-Kontrast“ detailliert die spezifischen Punkte der Aufmerksamkeit und Gegenmaßnahmen bei der Umsetzung der „Dynamik-Fülle“, einem der Merkmale eines Orchesters, unter Heranziehung verschiedener experimenteller Ergebnisse und Berichte. Es erklärt zum Beispiel, dass bei der Wiederholung von musikalischen Ideen, die innerhalb eines Taktes zwischen mf und mp wechseln, der Dynamik-Kontrast vom Hörer mit jeder Wiederholung als zunehmend stärker wahrgenommen wird, und diskutiert auch Änderungen der Lautstärke, die durch Änderungen der Tonhöhe verursacht werden.

Darüber hinaus gibt es einen Abschnitt über das Phänomen, bei dem, wenn die Lautstärke eines von zwei Tönen allmählich erhöht wird, der andere Ton schließlich unhörbar wird – das heißt, den „Klangverdeckungseffekt“. Es behandelt das Phänomen „Im Allgemeinen werden Klänge mit höheren Schwingungsfrequenzen leicht durch Klänge mit niedrigeren Schwingungsfrequenzen verdeckt“ und liefert detaillierte praktische und wichtige Inhalte, beginnend mit der Beobachtung, dass, wenn die untere Stimme in der Stimmführung „stark, schwer und dick“ geschrieben wird, die obere Stimme verdeckt wird.

Darüber hinaus diskutiert das Buch in „Klangfarben-Eigenschaften jeder Instrumentenfamilie“ die Eigenschaften der Klangfarbe aus mehreren Blickwinkeln, indem es die Wellenform des Klangs jedes Instruments, seine Obertonstruktur und Klangfarben-Merkmale unter verschiedenen Spieltechniken analysiert. Der Detailgrad und die Praktikabilität dieses Inhalts sind besonders hervorzuhebende Aspekte dieses Orchestrierungsbuches. Zum Beispiel diskutiert es im Fall der Oboe die vielfältigen Teiltöne (Obertonstruktur), die sich aus der sägezahnartigen Wellenform ergeben, die für ein Doppelrohrblatt charakteristisch ist, und die ganzzahligen Obertöne und ihren Resonanzverstärkungseffekt, die sich aus dem sanft konischen Resonanzrohr ergeben, und erläutert die Klangfarben-Eigenschaften dieses Instruments in jeder Lage unter Vorlage verschiedener experimenteller Daten. Dies führt zu einer Diskussion über die Unvermeidlichkeit des Phänomens, dass die Oboe im Orchester unter anderen Klanggruppen hervorsticht, und wie damit umzugehen ist.

Weiterhin wird im Fall des Horns erklärt, dass es aufgrund der ausgewogenen Formanten (Formantfrequenzen) über seinen gesamten Umfang bei alleinigem Spiel als sanfte Klangfarbe wahrgenommen wird. Es wird jedoch auch darauf hingewiesen, dass in der Lage unterhalb der niedrigsten Formantfrequenz der Anteil des Grundtons allmählich abnimmt. Dies führt zu einer Diskussion über Probleme, die entstehen, wenn ein Horn, das Differenztöne erzeugt, mit anderen Klanggruppen kombiniert wird. Die Erläuterung des Fagotts, das Eigenschaften beider besitzt, beinhaltet eine sorgfältige Diskussion der Klangfarben-Eigenschaften, einschließlich des Einflusses von Differenztönen im tiefen Register. Die Art und Weise, wie dies für alle Orchesterinstrumente auf diese Weise geschrieben ist, ist wirklich beeindruckend.

Durch solche Erläuterungen wird dem Leser bewusst, wie wichtig akustisches Wissen, einschließlich des Konzepts der Differenztöne, in der Orchestrierung ist. Man spürt das erneute Bedürfnis, sich dem Unterschied zwischen der Kombination von Noten auf dem Papier und dem, was sich tatsächlich als akustisches Phänomen manifestiert, demütig zu stellen.

Im zweiten Teil des „kollaborativen Effekts des Orchesters“ werden wichtige Elemente des musikalischen Ausdrucks wie „Klangdicke“, „Volumengefühl“, „Verschmelzung und Trennung der Klangfarbe basierend auf dem Volumen“, „auditorische selektive Aufmerksamkeit“ und „auditorische Ermüdung und Abneigung“ erörtert. Auch hier werden unter Berufung auf experimentelle Daten und Einbeziehung psychologischer Perspektiven praktische Ratschläge gegeben. Dieser Abschnitt allein enthält Inhalte, die ihn von ähnlichen Büchern abheben.

Es ist erstaunlich, dass ein Buch, das eine Krönung der westlichen Musik wie die Orchestrierung darstellt, in Japan entstanden ist. Während Akira Ifukube oft für seine Verdienste in der Filmmusik, beginnend mit „Godzilla“, hervorgehoben wird, glaube ich, dass man ihn erneut für seine Leistung beim Schreiben dieses Buches „Orchestrierung“ loben sollte.

Buchinformationen

完本 管絃楽法

音楽之友社

￥26,400(2025/05/16 18:25Zeitpunkt)

伊福部 昭 (著)

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Inhaltsverzeichnis von „Komplette Orchestrierung“

Über den Autor

Akira Ifukube

Geboren 1914 in Hokkaido. Nach seinem Abschluss an der Hokkaido University erlernte er Komposition autodidaktisch und gewann 1935 mit „Japanese Rhapsody“ den 1. Preis beim Tschaikowski-Wettbewerb (Čerepnin-Preis). 1943 gewann er mit „Symphonie Fantasia“ den 1. Preis beim Victor Orchestral Award und den Preis des Kultusministers. Er komponierte viele Werke, die auf der Sensibilität des japanischen Volkes basieren. Er lehrte an der Tokyo University of the Arts und der Tokyo College of Music und förderte talentierte Komponisten wie Yasushi Akutagawa, Toshiro Mayuzumi und Maki Ishii. Die Grundlage dieses Buches, „Orchestration, Bd. 1“, wurde 1953 erstmals veröffentlicht und 1968 erheblich überarbeitet. „Orchestration, Bd. 2“, wurde 1968 erstmals veröffentlicht. Er war auch bekannt für die Musik zu „Godzilla“. Verstorben am 8. Februar 2006.

Wichtige Werke: Japanese Suite, Japanese Rhapsody, Triptychon Aboriginum, Symphonie Fantasia, Symphonia Tapkara, Violinkonzert Nr. 1/Nr. 2, Lauda Concertata, Symphonische Ekloge, Ritmica Ostinata, Salome, Dialogue Pastorale nach dem Ainu-Epos, Biwa-Lied und viele weitere.(Zitiert aus diesem Buch und der Website des Verlags)