Der Titeltrack „Phantom Gleam“ entwickelt sich, indem mehrdeutige Drone-Klänge und effektbeladene Rhythmen mehrfach geschichtet und überblendet werden.
Dazu erklingt, als ob es den im Titel angedeuteten „Glanz“ symbolisieren soll, ein schimmernder Synthesizer-Klang in einer hellen und erhabenen Harmonie. Im Hintergrund liegt jedoch stets eine Gruppe von eigenwilligen Rhythmen und Drone-Klängen, die diesen Glanz nicht unbedingt vollständig bejahen wollen.
Der „Glanz“, der einst die Welt erhellte, entschwindet wie ein Feuerwerk am Nachthimmel. Was danach in den Vordergrund der Musik zurückkehrt, sind Rhythmen und Drone-Klänge, die eine gewisse Mattigkeit, Schwere und eine unbeschreibliche Angst ausdrücken, und die strahlende Synthesizer-Harmonie kann nicht mehr so einfach hingenommen werden.
Obwohl „Phantom Gleam“ Momente hat, die Kraft und rhythmische Schärfe vermitteln, könnte man sagen, dass das gesamte Stück von einer einzigartigen Unruhe und Spannung umhüllt ist, die das Herz des Hörers beunruhigt, wie ein dumpfer Schrei, der aus unterdrückter Energie hervorgeht.
Der Künstler hat erklärt: „Wenn ich etwas erschaffe, das die innere Welt eines Menschen symbolisiert, interessiert es mich nicht, eine Form zu schaffen, die mit einfachen Etiketten erfasst werden kann, sondern den facettenreichen, mehrdeutigen und unklaren Zustand selbst zu verkörpern.“ Wenn der Hörer ein Gefühl von dem empfindet, was man „eine gewisse Haltlosigkeit oder Ambivalenz“ nennen könnte, dann ist das genau so, wie es der Künstler beabsichtigt hat.
Das folgende Stück, „Twilight Chant“, schafft eine Welt mit einem einzigartigen Schwebegefühl durch Drone-Klänge, die mit Metallschlaginstrumenten akzentuiert sind, und einem Choral eines traditionellen Frauenchors.
Der charakteristische Frauenchor ist keine Polyphonie, die auf dem Kontrapunkt wie in der Barock- oder klassischen Chormusik basiert, sondern eine einzelne Melodie, die mit Jazz-Voicings harmonisiert ist. Man kann hören, dass jede Vokalstimme, einschließlich der Tension-Noten, in einer dichten Satzweise harmonisiert ist, was einen jazzigen Klang erzeugt, während die Form eines klassischen Chors beibehalten wird.
Laut dem Künstler wurde dieser Chorpart als eigenständiges Stück komponiert, dann in mehrere Teile zerlegt und neu konfiguriert und schließlich mithilfe einer Collagetechnik zusammen mit anderen Klangteilen wie Rhythmen und Drones zusammengefügt. Man könnte sagen, es ist zu einem fließenden, wogenden Musikstück geworden, das tiefe Atemzüge in Form eines „Call and Response zwischen dem Frauenchor und einem ruhigen 16tel-Beat“ wiederholt.
Der Drone-Klang, der durchgehend denselben Klang wie ein sehr einfacher Basso Continuo spielt, erzeugt die meiste Zeit über einen konsonanten Klang mit dem Chorpart. Auch zu anderen Zeiten unterhält er eine subtile und delikate Beziehung von „weder zu nah noch zu fern“, was eine reiche musikalische Sonorität erzeugt. Dies kann als einer der Faktoren für das einzigartige Schwebegefühl dieses Stücks angesehen werden.
Im dritten Stück, „Echoing Solitude“, rufen sich ein tief brummender Drone, effektbeladene Gitarren, Soundeffekte und Synth-Pads in einem weiten Raum gegenseitig zu und füllen ihn aus.
Da alle Klangmaterialien so bearbeitet sind, dass sie ein Gefühl von weitem Raum hervorrufen, fühlt sich der Hörer umso haltloser, je mehr er sich konzentriert, und wird gleichzeitig, wie der Titel andeutet, an die Einsamkeit erinnert. Diese Einsamkeit hallt wider, leise kommend und gehend.
Es ist eine Welt, die mit der Angst, Furcht und Gelassenheit vergleichbar ist, die man beim Betrachten eines Gemäldes von Zdzisław Beksiński empfindet, und die den Eindruck erweckt, in einem „riesigen, fantastischen Raum, in dem die Zeit stillsteht“, gefangen zu sein.
Dieser musikalische Raum findet sein Ende, als ein Soundeffekt, der an ein „Ausfransen der Zeit“ erinnert, wiederholt wird. Diese Wiederholung verlangsamt sich allmählich und hört schließlich auf. Der Hörer, der inmitten der Echos der hilflosen Einsamkeit gestanden hatte, wird so in der Stille zurückgelassen, wo er wahrscheinlich die größte Einsamkeit von allen empfinden wird.
Alle drei Stücke beginnen mit einem schweren, wogenden Drone-Klang. In den ersten beiden Stücken treten klare Elemente wie Rhythmen, Harmonien und Chöre in den Vordergrund, aber im dritten Stück sind solche Elemente nicht prominent. Wenn man die drei Stücke nacheinander hört, werden die oben genannten Eigenschaften von „Echoing Solitude“ noch stärker spürbar, und man versteht die Bedeutung seines Titels mit einer gewissen spirituellen Kühle.
Auf diese Weise scheinen die drei Stücke auf den ersten Blick alle unterschiedlich zu sein, aber es wird klar, dass es einen roten Faden gibt, der sie durchzieht. Und die Kraft dieser Eigenschaft lässt den Hörer nicht in einer sicheren Zone verweilen, sondern zieht ihn vorübergehend an einen unbequemen Ort. Dies könnte man als „eine Einladung zu einem sensorischen Selbstgespräch“ bezeichnen.
