(Publié originalement le 10 décembre 2008)
L’orchestration, par définition, est l’ensemble des règles empiriques et des méthodes permettant de faire résonner la musique à travers un orchestre. Cependant, cet article se concentrera spécifiquement sur la pratique et l’approche de la création musicale avec des sons orchestraux à l’aide d’un ordinateur et d’une station de travail audio numérique (DAW).
Pour le dire crûment, on peut affirmer que bien plus de gens aujourd’hui ont entendu un orchestre « à travers des haut-parleurs » via un support enregistré (comme un CD) que ne l’ont entendu en direct dans une salle de concert.
Je ne faisais pas exception. Lorsque j’ai assisté pour la première fois à une performance en direct, j’ai été complètement captivé par l’incroyable richesse de l’espace musical créé par l’orchestre. Cela m’a fait réaliser à quel point l’orchestre que j’avais entendu sur les enregistrements était limité en termes d’informations et, d’une certaine manière, acoustiquement abstrait.
En même temps, cela a renforcé mes réflexions sur la nature unique et autonome d’un « orchestre enregistré et édité » et sur la force de son « pouvoir d’évocation ».
J’ai senti qu’un son enregistré et édité possède le pouvoir d’évoquer les images culturelles, sociales et sonores associées à un orchestre, transcendant le contexte de l’environnement d’écoute.
Dans les années 1980, lorsque la technologie de l’échantillonnage s’est répandue et a été intégrée à la performance musicale, un son appelé le « orchestra hit » – un échantillon d’un tutti d’orchestre complet (tout le monde jouant un « crash ! » fortissimo) – a fait fureur dans le monde entier.
L’une des raisons de son impact était qu’il rendait portable un son fondamentalement non portable, étant donné qu’un son orchestral est intrinsèquement lié à l’acoustique de la salle où il est joué.
Le pouvoir d’évocation de ce seul son était immense. Sa simple explosion pouvait instantanément et de manière décisive définir l’ambiance d’un morceau de musique. Incidemment, l’orchestra hit est lui-même devenu plus tard une image figée et est tombé dans le cliché, mais la puissance de ce « hit » (un tutti puissant) perdure aujourd’hui dans les patchs de synthétiseur.
Nous avons donc ce son orchestral échantillonné, qui devrait être très éloigné de sa forme originale. Pourtant, les auditeurs y projettent et y perçoivent une multitude d’images. Tandis que les ingénieurs du son pionniers se donnaient pour mission de capturer les performances telles quelles, ils exploraient également de nouveaux mondes sonores qui faisaient appel à l’imagination des gens.
Par exemple, dans les enregistrements expérimentaux de jazz et d’orchestres symphoniques à partir des années 1960, les artistes ont créé une musique qui ne pouvait exister que sur un enregistrement en utilisant intentionnellement des effets et en exagérant le volume, l’équilibre et le timbre. On peut y voir le produit de la philosophie de « l’album comme œuvre d’art à part entière » qui a commencé avec l’introduction de l’enregistrement multipiste (MTR).
Si la forme finale d’une production sur ordinateur/DAW est un « enregistrement diffusé par des haut-parleurs », alors je crois que nous devrions consciemment nous efforcer de maîtriser une orchestration conçue pour l’enregistrement et le montage. Nous devons considérer quel genre d’« image orchestrale » l’auditeur a (ou n’a pas) et décider si nous voulons nous aligner sur cette image, la déjouer ou l’exagérer.
Garder cela à l’esprit ouvre la possibilité de traiter l’acte d’orchestration lui-même de manière multidimensionnelle. Cela inclut non seulement le changement d’instrumentation, mais aussi des choses comme la modification de l’espace acoustique supposé de la performance ou la recherche d’un effet de « méta-performance » en appliquant des effets directement au son d’une manière non physique.
Je crois que l’adoption consciente de cette approche – et non pas simplement le fait de forcer l’orchestration du monde réel dans le monde virtuel de l’enregistrement et du montage – est une façon de véritablement exploiter l’orchestration dans un environnement numérique.
L’une des œuvres où j’ai essayé d’expérimenter ces idées est « Pensées flottant dans le grand bleu (Thoughts Floating in the Deep Blue) ».
Pour apprendre, bien qu’il soit crucial d’assister à autant de concerts d’orchestres que possible, il est également important d’utiliser cette expérience pour percevoir ce qui est perdu ou modifié dans un enregistrement. Avec cette compréhension, l’apprentissage à partir de CD et de partitions devient très efficace (Références : « L’Orchestration Complète » par Akira Ifukube, « Orchestration » par Walter Piston).
En fait, l’un des sommets de la pratique de l’orchestration dans le style moderne de l’enregistrement et du montage se trouve dans la musique de film. Écouter de ce point de vue peut apporter de nombreuses perspectives et idées précieuses pour un créateur.
Je pense qu’élargir l’idée d’« utiliser l’orchestration » pour signifier « utiliser l’ *image* que l’orchestre véhicule » et penser de manière flexible est une étape musicalement importante.
