Critique : « Orchestration Complète » par Akira Ifukube

(Première publication le 4 janvier 2009)

完本 管絃楽法

音楽之友社

伊福部 昭 (著)

C’est un chef-d’œuvre qui a conservé une position inébranlable comme le summum de l’orchestration depuis sa publication, et c’est un livre qu’on devrait appeler « la bible pour écrire des œuvres orchestrales ». Le contenu, écrit par Akira Ifukube, lui-même maître de l’orchestration, se caractérise par sa curiosité savante et sa fine capacité d’analyse. Il ne se limite pas à des explications détaillées sur l’instrumentation, mais explore également les effets acoustiques, leur impact sur l’audition, et même les effets psychologiques. Il possède une qualité et un volume inégalés par toute autre œuvre. La nouvelle édition, cette « Édition Complète », consolide le contenu de l’ancienne édition, qui était un ensemble de deux volumes au format A5, en un seul volume en agrandissant le format à B5 et en le rééditant en une mise en page à deux colonnes. Les anciens caractères Kanji difficiles à lire ont été remplacés par de nouveaux Kanji, rendant le style d’écriture distinctif de l’auteur très lisible tout en conservant sa saveur unique. Le nombre élevé d’exemples musicaux et de figures (environ 1 000) et d’entrées d’index (environ 5 000) démontrent en outre le contenu dense de ce livre.

On peut dire sans exagération que ce livre est essentiel pour toute personne impliquée dans la composition et l’arrangement orchestral, et de fait, de nombreux musiciens de genres variés le considèrent comme leur bible. Bien qu’il ne soit pas un livre à lire immédiatement pour les débutants en composition et arrangement ou les amateurs de musique occasionnels, c’est sans aucun doute un volume auquel quiconque souhaite sérieusement maîtriser l’orchestration sera confronté à un moment donné.

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Parmi les nombreux points excellents de ce livre, tels que l’instrumentation détaillée ou la grande exhaustivité de type dictionnaire, ce que je tiens particulièrement à souligner, c’est l’espace considérable consacré à la discussion et à l’explication de l’« effet collaboratif de l’orchestre » (※Référez-vous à la « Table des matières de ce livre » ci-dessous pour les éléments détaillés). À titre d’exemple concret, dans la section sur l’« Intensité sonore et contraste dynamique », le livre examine en détail les points d’attention spécifiques et les mesures correctives lors de la mise en pratique de la « richesse de la dynamique », l’une des caractéristiques d’un orchestre, en s’appuyant sur divers résultats expérimentaux et rapports. Par exemple, il explique que lorsque des idées musicales alternant entre mf et mp sont répétées dans une mesure, le contraste dynamique est perçu comme étant de plus en plus accentué par l’auditeur à chaque répétition, et discute également des changements de volume causés par des changements de hauteur.

De plus, il y a une section sur le phénomène selon lequel si le volume de l’un des deux sons est progressivement augmenté, l’autre son devient finalement inaudible – c’est-à-dire, l’« effet de masquage sonore ». Il aborde le phénomène « En général, les sons avec des fréquences de vibration plus élevées sont facilement masqués par les sons avec des fréquences de vibration plus basses » et fournit un contenu pratique et important en détail, en commençant par l’observation que si la voix inférieure dans la conduite des voix est écrite « fort, lourd et épais », la voix supérieure sera masquée.

En outre, dans « Caractéristiques timbrales de chaque famille d’instruments », le livre discute des caractéristiques du timbre sous plusieurs angles, analysant la forme d’onde du son de chaque instrument, sa structure harmonique et les caractéristiques timbrales sous diverses techniques de jeu. Le détail et l’aspect pratique de ce contenu sont des aspects particulièrement remarquables de ce livre sur l’orchestration. Par exemple, dans le cas du hautbois, il discute des partiels divers (structure harmonique) résultant de la forme d’onde en dents de scie caractéristique d’une anche double, ainsi que des harmoniques entiers et de leur effet d’expansion de résonance résultant du tube de résonance doucement conique, et explique les caractéristiques timbrales de cet instrument dans chaque registre tout en présentant diverses données expérimentales. Cela conduit à une discussion sur l’inévitabilité du phénomène par lequel le hautbois se distingue parmi d’autres groupes sonores dans un orchestre et sur la manière de le gérer.

De plus, dans le cas du cor, il est expliqué qu’en raison des formants équilibrés sur toute son étendue, il est perçu comme ayant un timbre doux lorsqu’il est joué seul. Cependant, il est également noté que dans le registre en dessous du formant le plus bas, la proportion de la fondamentale diminue progressivement. Cela conduit à une discussion des problèmes qui surviennent lorsqu’un cor produisant des sons de différence est combiné avec d’autres groupes sonores. L’explication du basson, qui possède des caractéristiques des deux, comprend une discussion attentive des caractéristiques timbrales, y compris l’influence des sons de différence dans le registre grave. La manière dont cela est écrit pour tous les instruments d’orchestre de cette manière est vraiment impressionnante.

Grâce à de telles explications, les lecteurs prendront conscience de l’importance des connaissances acoustiques, y compris le concept de sons de différence, en orchestration. On ressent le besoin renouvelé de faire humblement face à la différence entre la combinaison de notes sur la partition et ce qui apparaît réellement comme un phénomène acoustique.

Dans la seconde moitié de l’« effet collaboratif de l’orchestre », des éléments importants de l’expression musicale tels que l’« épaisseur sonore », le « sens du volume », la « fusion et séparation du timbre basé sur le volume », l’« attention sélective auditive » et la « fatigue et aversion auditive » sont discutés. Là encore, des conseils pratiques sont donnés, citant des données expérimentales et intégrant des perspectives psychologiques. Cette section seule contient du contenu qui la distingue de livres similaires.

Il est étonnant qu’un livre représentant un aboutissement de la musique occidentale comme l’orchestration soit né au Japon. Alors qu’Akira Ifukube est souvent mis en avant pour ses réalisations dans la musique de film, à commencer par « Godzilla », je crois que ce qu’il faut louer à nouveau, c’est son accomplissement dans l’écriture de ce livre, « Orchestration ».

Informations sur le livre

完本 管絃楽法

音楽之友社

￥26,400(2025/05/16 18:25Heure)

伊福部 昭 (著)

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Table des matières de « Orchestration Complète »

À propos de l’auteur

Akira Ifukube

Né à Hokkaido en 1914. Après avoir obtenu son diplôme de l’Université de Hokkaido, il a étudié la composition en autodidacte et a remporté le premier prix du Concours Tchaïkovski (Prix Čerepnin) en 1935 pour « Rhapsodie Japonaise ». En 1943, il a remporté le premier prix du Victor Orchestral Award et le prix du Ministre de l’Éducation pour « Symphonie Fantasia ». Il a composé de nombreuses œuvres basées sur la sensibilité du peuple japonais. Il a enseigné à l’Université des Arts de Tokyo et au Collège de Musique de Tokyo, formant des compositeurs talentueux tels que Yasushi Akutagawa, Toshiro Mayuzumi et Maki Ishii. L’original de ce livre, « Orchestration, Vol. 1 », a été publié pour la première fois en 1953 et considérablement révisé en 1968. « Orchestration, Vol. 2 », a été publié pour la première fois en 1968. Il était également connu pour la musique de « Godzilla ». Décédé le 8 février 2006.

Œuvres majeures : Suite Japonaise, Rhapsodie Japonaise, Triptyque Aborigène, Symphonie Fantasia, Symphonia Tapkara, Concerto pour Violon N° 1/N° 2, Lauda Concertata, Éclogue Symphonique, Ritmica Ostinata, Salomé, Dialogue Pastorale sur l’Épopée Aïnou, Chant de Biwa, et bien d’autres.(Cité de ce livre et du site de l’éditeur)