Wenn ich ein Werk fertigstelle, das hauptsächlich aus Sampling-Material besteht, verspüre ich manchmal eine gewisse Erschöpfung (ein Gefühl der Antiklimax). Das bedeutet jedoch nicht, dass ich mit der entstandenen Musik unzufrieden bin; vielmehr geht es mit einem Gefühl der Erfüllung über die Fertigstellung einher.
In einer anderen Schicht meines Geistes bleibt jedoch manchmal so etwas wie eine Leere zurück, und ich habe die wahre Natur dieses Gefühls lange Zeit im Unklaren gelassen.
In letzter Zeit habe ich das Gefühl, dass ich endlich beginne, sein wahres Gesicht zu erkennen. Es war wahrscheinlich das Gefühl, dass die „Menge an verbrauchter Energie während der Produktion“ und die „Menge an Erfüllung“ nicht im Gleichgewicht waren.
Genauer gesagt, habe ich die Tatsache, dass ich nicht erschöpft war, vielleicht unbewusst als „Beweis dafür, dass ich nicht ernsthaft genug war“ hingenommen.
Die kognitive Belastung im Dialog mit Sampling-Material ist von ganz anderer Natur als bei der traditionellen Komposition, bei der Note für Note aufeinandergestapelt wird. Der Prozess, die musikalische Zeit zu strukturieren, während ich den „Stimmen des Sampling-Materials“ lausche, die zu mir sprechen, wenn ich genau hinhöre, fühlt sich für mich in gewisser Weise wie eine „leichte Aufgabe“ an.
Und genau diese „Leichtigkeit“ war früher der Ursprung meines Unbehagens. Ich dachte unweigerlich: Wenn es so leicht fällt, bedeutet das nicht, dass ich mich nicht tief genug engagiere?
Aber wenn ich innehalte und darüber nachdenke, muss die Tatsache, dass mir etwas leicht fällt, auch ein Ausdruck von Fähigkeiten sein, die ich über die Zeit verinnerlicht habe. Wenn die Handgriffe eines Handwerksmeisters fließend und ohne Verschwendung sind, zeugt das von der Tiefe seiner Meisterschaft und ist kein Beweis für Faulheit.
Wenn ich so darüber nachdenke, wird mir klar, dass das Gefühl, „viel Energie zu verbrauchen sei die aufrichtige Art zu sein“, wohl eine Annahme war, die ich mir irgendwann selbst eingeredet habe.
Wenn ich den Ursprung dieser Annahme zurückverfolge, gelange ich zu dem Punkt, dass es fast so war, als würde ich im Voraus eine Ausrede für das Ergebnis bereitlegen. Die Tatsache, dass „ich mich so sehr verausgabt habe“, funktioniert bis zu einem gewissen Grad als Entschuldigung, falls das Werk die Erwartungen nicht erfüllt.
In den frühen Phasen meiner Karriere mag eine solche Selbstverteidigung mir manchmal geholfen haben, voranzukommen, aber indem ich sie so lange verinnerlicht habe, glaube ich, dass sie im Laufe der Zeit andere Probleme hervorgebracht hat.
Wohin also sollte die Energie fließen, die durch die fehlende Erschöpfung eingespart wird? Wenn ich darüber nachdenke, taucht die Frage auf: „Was ist dieses Werk?“. Es geht nicht um die Präzision einzelner Noten oder die Qualität des Materials, sondern darum, die Gesamtform des Werkes zu spüren und herauszuarbeiten. Es geht darum, das Werk zu konfrontieren und seine wahre Identität ständig zu hinterfragen.
Mit anderen Worten, es ist eine Frage, die von einem bestimmten Seinszustand getragen wird – der Schöpfer zu sein und doch als ein Element innerhalb des Raums der Schöpfung zu existieren, und gleichzeitig ein Beobachter zu sein, der diesen dynamischen Zustand aus leichter Distanz betrachtet.
Die Verwirklichung eines solchen Seinszustandes erfordert von mir gegenwärtig noch viel Energie. Man könnte sagen, dass das, was hier und jetzt sichtbar wird, eine Übergangsphase zu einer günstigeren Energieverteilung ist.
Parallel zu diesen Erkenntnissen habe ich das Gefühl, dass sich auch meine Wahrnehmung meiner eigenen Produktionsumgebung allmählich verändert hat.
Meine Tage bestehen daraus, meine Website als Knotenpunkt zu nutzen, um musikalische Werke, Texte und Spuren meiner täglichen, fragmentarischen Gedanken abzulegen. Es gibt Phasen, in denen ich hochgradig skulpturierte Werke sorgfältig poliere, und Phasen, in denen ich Musik prosaisch verstreue, während ich den Stimmen des Materials lausche. Mir ist wieder neu bewusst geworden, dass ich bei beiden Prozessen gleichermaßen das Gefühl habe, dass „der Mechanismus meines Selbst angenehm funktioniert und zirkuliert“.
In der Vergangenheit gab es einen Teil von mir, der glaubte, dass das Anhäufen von Werken mit hohem Vollendungsgrad ein Beweis für Aufrichtigkeit im Schaffen sei.
Doch nun spüre ich, dass es auf einer fundamentaleren Ebene viel wichtiger ist, ob der Mechanismus, der mich als Schöpfer am Leben erhält und nährt, in einem gesunden Kreislauf bleibt. Der Vollendungsgrad eines einzelnen Werkes und die Qualität des Bodens, aus dem es entstanden ist, sollten vielleicht getrennt voneinander betrachtet werden.
Es gibt das Wort „Biotop“. Ursprünglich ein ökologischer Begriff, der einen kleinen Lebensraum bezeichnet, in dem eine bestimmte Lebensgemeinschaft existiert, überschneidet sich dessen Eigenschaft – nach außen hin moderat isoliert zu sein, während im Inneren Materie und Energie kontinuierlich zirkulieren – mit dem gegenwärtigen Zustand meiner Produktionsumgebung.
Anstatt „ein gutes Werk zu schaffen“ als oberstes Ziel zu verfolgen, geht es darum, „die Kultivierung und Entwicklung jener Umgebung, in der gute Werke entstehen können“ als Fundament zu betrachten und sich kontinuierlich darum zu kümmern. Ich habe das Gefühl, dass diese Umkehrung der Reihenfolge (ein Perspektivenwechsel) einen unerwartet großen Unterschied macht, wenn man sie tatsächlich bewusst in die Praxis umsetzt.
Ein solcher Seinszustand ist wohl, in unterschiedlichem Ausmaß, etwas, das viele Künstler in ihrer täglichen Arbeit bereits erleben und angehen. Dieses Mal habe ich beschlossen, es hier niederzuschreiben, in der Annahme, dass es ein Sprungbrett für meine nächsten Praktiken und Entwicklungen sein wird, wenn ich es einmal in meine eigenen Worte fasse.
